Krediet: Remedy Entertainment
Van 2001 tot 2003 was het niet alleen een third-person camera die de wereld liet draaien om Max Payne. Het was ook niet alleen de aanblik van zijn uitstekende graphics, of van pc’s die een zijwaartse sprong maakten naar consoleland van waaruit ze nooit volledig zouden terugkeren. Het was vooral de man. Een voortstuwende thriller gemaakt door slechts twee dozijn mensen in Espoo, Finland – een “garageband”, volgens schrijver Sam Lake – het was het verhaal van een man die implodeerde. De deur ging open op dat tafereel van verwoesting, de vrouw en het pasgeboren kind afgeslacht door drugsverslaafden, en in een minuut in New York had het gamen een nieuwe dorst naar wraak gekregen.
“Voor mij was het uitgangspunt dit archetype van de privédetective, de hardgekookte agent”, zegt Lake, wiens portret nooit gedrukt hoeft te worden zolang Max, om redenen die je al kent of binnenkort zult leren, verschijnt in een schermafbeelding. “Het team wilde beelden en ideeën zien in talloze actie- en misdaadfilms, zelfs in de popcultuur in het algemeen. Iets dat nog niet veel in games was gezien.”
“John Woo had deze actie waarbij al dit afval in de lucht vloog – we wilden gewoon die stijl”, zegt programmeerleider Olli Tervo. “Er moest van alles gebeuren.” “Een van de eerste dingen die we technologisch deden, was het deeltjessysteem”, voegt Sami Vanhatalo toe, de technische hoofdartiest van de game. “En toen je eenmaal de deeltjeseffecten met deze enorme vertraging begon te zien, was het als: ‘God, hier moet iets goeds uit komen.'”
Lake hield zich echter meer bezig met het slechte – het sluipende, besmettelijke kwaad van een moderne film noir. Hij wilde een “dieper, meer psychologisch” verhaal dan in de actiegames van die tijd bestond, iets dat zich bezighield met zowel uiterlijke als innerlijke onrust, zowel de stad als haar mensen. Veel van wat Max Payne tegenwoordig onderscheidt, is de nogal vreemde, Scandinavische lucht die door de straten van New York raast en op de ramen klopt terwijl een ondoordringbare sneeuwstorm de skyline verslindt. Ragnarok, het Noorse visioen van het einde van de wereld, was een even natuurlijke associatie, suggereert Lake, als elke smerige kroeg of steeg.
(Afbeelding tegoed: Remedy Entertainment)Abonneer je op Edge
(Afbeelding tegoed: toekomst)
Deze making of Max Payne-functie werd voor het eerst gedrukt in Edge #195, 2008. U kunt nieuwe nummers van Edge kopen bij Magazines Direct of informatie over Edge #361 hier vinden.
“Max’s reis is een wraakverhaal over een man die zo ver in een gekke, onmogelijke situatie is geduwd dat het normale, alledaagse leven zijn betekenis heeft verloren. Het is verdwenen. Dus je zou niet kunnen beschrijven wat er in die context gebeurde – of tenminste Max kon het niet. Het enige dat overblijft zijn archetypen en metaforen, monsters en demonen. Het wordt een mythe. Dus het voelde als het juiste om te doen om al die verwijzingen ernaar te brengen.’ En, zoals we Lake in herinnering brengen, geen geringe mate van komedie – niet iets dat je automatisch zou vinden in afgedankte naalden, dode baby’s en honkbalknuppels. “We wilden dat over-the-top gevoel niet vermijden, want de speler gaat sowieso altijd komische situaties creëren. Humor is een natuurlijk onderdeel van het spelen van games en als schrijver probeer je altijd passen bij de gameplay-ervaring. Als je het te serieus neemt, gebeurt dat gewoon niet.”
De ontwikkeling van Max Payne besloeg meerdere jaren, waarbij in ’96 en ’97 de sprong werd gemaakt van 3D-versnellers uit het Quake 2-tijdperk naar kaarten die, zoals Remedy zou ontdekken, in staat zijn tot bijna fotografisch realisme. Totdat de technologie tussenbeide kwam, was het spel een meer cartoonachtige aangelegenheid die volledig met de hand werd getekend. “Maar als we de game in, laten we zeggen, een slonzig motel in New York wilden spelen, hadden we een soort referentie nodig”, zegt Vanhatalo. “We hadden de kunstjongens al naar een paar hele nare buurten gestuurd met een paar lijfwachten, en toen realiseerden we ons dat we al deze foto’s hadden. Waarom zouden we ze niet gebruiken als basis voor onze texturen? Er waren veel kunsttrucs die je moest doen om die texturen te laten werken: alle onnodige lichtinformatie eruit halen, bijvoorbeeld. Maar toen we een deel van het spel hadden ingericht, dacht iedereen: ‘Wauw, dit is wat we hebben geprobeerd te maken.’ ‘”
Nou, niet helemaal iedereen. Voor sommigen, legt studio mede-oprichter en ontwikkelingsdirecteur Markus MÄki uit, voelde de komst van echte texturen minder als het begin van iets dan als het einde. “Voor hen was je geen artiest meer als je zoiets deed. Maar als je dingen op de echte wereld baseert, is het gewoon verstandig om te doen.” Was er ooit angst dat het niet zou werken? “Ik denk niet dat dat een optie was.”
Een pagina omslaan
Krediet: Remedy Entertainment
Lake had al het idee geopperd om graphic novel-panelen te gebruiken voor de tussenfilmpjes van het spel, waarbij hij zichzelf in verschillende ‘zwaar gephotoshopte’ voorbeelden wierp. Maar de voordelen, zegt MÄki, spraken al voor zich: “Bij een graphic novel zitten de nuances in het hoofd van de lezer, en het zou veel moeilijker zijn om dat niveau te bereiken met in-game of zelfs pre-rendering films. Nu kun je kan dat soort dingen geloofwaardig doen, toen was het een ander balspel. En er was nog een andere reden: productie.
“We hebben het verhaal sowieso veel gestroomlijnd en gereorganiseerd, maar zodra je de graphic novels had, kon je ze in stukken knippen, op de muur hangen, het hele spel volgen en zeggen: ‘Weet je, dat zou er echt moeten zijn’. En in 30 seconden had je een dramatische plotwijziging gemaakt. Zelfs als het betekende dat je een deel van de beelden opnieuw moest doen, had je het over een dag of twee in plaats van een week filmen.”
Fans en critici kennen natuurlijk maar al te goed het neveneffect van Lake’s voorstel: een verpletterende draai aan de vierde muur die Stephen King waardig was, waarbij de schrijver op een ochtend wakker werd om te ontdekken dat hij zijn personage zou worden. “We hadden het nog steeds over deze opkomst van fotorealisme en op dat moment voelde het niet als een groot probleem”, geeft hij toe dat hij zijn eigen gezicht om Max’ veelhoekige brok hoofd had gewikkeld. “Met al deze handgeschilderde foto’s zou toch niemand me hebben herkend. Een paar jaar vooruitspoelen naar het einde van het project, wanneer we foto’s gebruiken voor alle texturen in het spel, en daar heb ik was. Op dat moment had het idee me misschien een pauze gegeven.’
Hij houdt echter vol dat het leuk was, met zijn groeiende rol, waaronder het casten van veel van zijn vrienden en familieleden als de kromme line-up van politie, leidinggevenden, politici en schurken in de game. “En als je naar ons kijkt, zijn we niet bepaald Italiaanse gangsters”, geeft Vanhatalo toe. “Dus we hadden zoiets van: ‘Snel! Kijk eens naar de man die de pizza’s bezorgt. Haal hem hier een tijdje’.” De credits van de game, zo wordt ons verteld, zijn een overvloed aan neven, vaders en vriendinnen, met af en toe een industriefiguur. Een ervan is nu CTO bij AMD.
Krediet: Remedy Entertainment
“Ik liep naar huis toen een auto voor me stopte. Twee stappen uit en schreeuwen tegen me dat ik moet stoppen. Ze vragen me of ik Max Payne ben; ze willen mijn handtekening”
Sam Lake
Wordt Lake herkend in de straat? “Meestal op beurzen zoals E3, waar ik talloze demo’s van Max Payne of Alan Wake had gedaan. Een paar jaar geleden was dit een keer toen ik van het kantoor in Espoo naar huis liep; het is een leuke buurt, maar de straat was totaal verlaten, afgezien van mij en deze auto. Het vertraagt en ik zie deze vier jongens uit het raam kijken. Dan draait hij zich om, passeert me weer en stopt voor me. Twee klimmen eruit en schreeuwen naar me om te stoppen, en tegen die tijd ben ik al nerveus genoeg. Dan vragen ze me of ik Max Payne ben; ze willen mijn handtekening. Het gebeurt zelden, gelukkig genoeg. Finnen zijn gereserveerde mensen. We praten zelden met vreemden.
“Het is uiteindelijk wel heel veel werk geworden. Dat was een van de redenen waarom ik het niet wilde doen voor het vervolg, omdat het schema veel strakker was en er veel meer verhaal was. Het scenario van de eerste game was ongeveer 150-160 pagina’s – voor het vervolg waren het er 600. Het had geen zin om opnieuw een maand of meer kostbare schrijftijd te verspillen aan die fotoshoots. De eerste keer deden we dat niet’ geen keuze hebben.”
Een logische vooruitgang in één oogopslag, met betere fysica, acteertalent en de verplichte combo-bewegingen, Max Payne 2 was een heel ander voorstel voor de maker. Take-Two’s aankoop van uitgever The Gathering had elke eerdere relatie met Rockstar Games vertroebeld, wiens interesse niettemin dappere, moeilijke poorten van de eerste Max Payne voor consoles had opgeleverd. Nu waren de belemmeringen weg.
“Het is een heel excentriek bedrijf dat op een vreemde manier werkt”, zegt Vanhatalo. “Maar verrassend compatibel. Ik kan me geen enkel geval herinneren waarin iemand ons probeerde te sturen om dit te doen terwijl we dat echt wilden doen. We zaten de hele tijd op dezelfde pagina.”
“Ik herinner me wel enkele Stranglehold-achtige voorstellen van een van de Rockstar-producenten, voor Mexicaanse impasses, dat soort dingen. Maar de tijd was er echt niet rijp voor”, voegt Mki eraan toe. “Maar we wilden allebei hoger op de productiewaarden en ambitieuzer zijn met het verhaal. Het zijn directe en eerlijke jongens: ze verwachten veel, maar leveren veel wanneer je ze nodig hebt. Na vijf jaar met hen te hebben gewerkt, ben ik denk niet dat iemand iets slechts te zeggen heeft.”
De val van Max Payne
Max Payne 2: De val van Max Payne (Afbeelding tegoed: Remedy Entertainment)
Terwijl Remedy zijn hoogvliegende deeltjes introduceerde in de vroege Havok-fysica, worstelde Lake met het meer voor de hand liggende dilemma: wat nu? Wat nu voor de agent die de wereld van zijn vijanden had vernietigd – net zoals zij de zijne hadden vernietigd – om vervolgens te ontdekken dat hij bovenop het puin stond? In de duistere titel The Fall Of Max Payne leerden we het antwoord: als het leven voor Max niet erger kon worden, zou het zeker ingewikkelder kunnen worden. Vormde de introductie van Mona Sax, de femme fatale in een grootser, duisterder en meer open vervolg, problemen voor een verhaal dat op zijn best ging over het isolement en de desintegratie van slechts één man?
“Ik maakte me zorgen, en ik worstelde”, geeft Lake toe. “De belangrijkste reden was Max’ vertelling, zijn interne monoloog. Dat was een heel belangrijk hulpmiddel om het verhaal te vertellen, misschien wel het belangrijkste. Hierdoor leren we weten wat Max denkt en voelt. Hij is geen leeg vat. wil overschakelen naar Mona [later werd ze een speelbaar personage] — sterker nog, als er meer tijd was geweest, zou het leuk geweest zijn om levels toe te voegen waarin je als Vinnie, Vlad en Bravura speelt — maar het was problematisch. Max kadert die sequenties met zijn verhaal en zegt dat hij niet precies weet wat er is gebeurd, of wat Mona deed, maar het moet ongeveer zo zijn geweest. Met andere woorden, als je Mona speelt, ervaar je eigenlijk Max’ vermoeden van de evenementen.”
Met een begrijpelijk superieure hoofdrol van Timothy Gibbs, een professionele acteur, werd de game goed beoordeeld, bewonderenswaardig overgezet naar PS2 en Xbox, en heeft de serie sindsdien geholpen om meer dan zeven miljoen exemplaren te verkopen. Maar niet iedereen stond het drama en het spektakel toe als excuus voor de niet aflatende actie die werd belichaamd door Max’ slow-motion sprongen. EDGE magazine scoorde met name de eerste game zes van de tien.
“We zijn er vast van overtuigd dat we ons ergens op moeten concentreren”, benadrukt MÄki. “Ik weet niet zeker of je het tegenwoordig zo gefocust zou kunnen doen, aangezien de verwachtingen van mensen zijn gegroeid, maar het was weloverwogen. Lever een ervaring en lever het goed.”
“En we zijn altijd erg agressief geweest als we dingen uit een game haalden”, zegt Vanhatalo. “We zijn nooit fan geweest van het moeten teruglopen door het level om bijvoorbeeld de rode keycard te krijgen. Dat hele 30 seconden-ding [een verwijzing naar Halo’s zelfverklaarde recycling van actiemomenten] wordt vaak de kernlus genoemd – en dat was onze kernlus. Een goed recent voorbeeld zou zoiets zijn als Call Of Duty 4: je doet vrijwel hetzelfde, maar met een ander pistool op een andere plaats, maar het spijkert de kernlus zo perfect vast dat je er nooit moe van wordt. ”
20 jaar na de release van Max Payne, weergalmt de impact ervan nog steeds in de videogame-industrie. De invloed van Remedy Entertainment is nog steeds te zien, waarbij het bedrijf zijn neiging tot kinetische vechtsystemen, slim gemaakte verhalen en fotorealistisch visueel ontwerp injecteerde in alles wat het sindsdien heeft gedaan: Alan Wake, Quantum Break en Control. Maar misschien wel het belangrijkste is dat Remedy is doorgegaan met het creëren van wat Lake ‘sterke leads’ noemt, door games te maken die niet alleen de camera op een personage richten, maar er rechtstreeks naar kijken, waardoor meer wordt gecreëerd dan alleen een door spelers bewoonde schaal. later is dat misschien wel de belangrijkste erfenis die Max Payne achterliet.