In het eerste decennium dat volledig vrij was van bekrompen inhoudsbeperkingen maar toch geplaagd werd door nachtmerries over de Vietnamoorlog, veranderden films voorgoed in de jaren ’70. Maar welke zijn eigenlijk de beste?
Nadat buitenlandse filmmakers de scepter zwaaiden in de jaren 60, was er een nieuwe beweging van “Nieuw Hollywood” in volle gang met Hollywoodregisseurs van eigen bodem die meer creatieve controle over hun werk uitoefenden dan voorheen. Tegelijkertijd voelde de wereld, en met name Amerika, zich somber als men afging op het nieuws dat door de steeds grotere aanwezigheid van televisie werd gecommuniceerd. Te midden van politieke schandalen, corrupte regeringen, stijgende criminaliteit en toenemend cynisme, weerspiegelden films een even melancholische en/of nihilistische stemming. Zelfs het wonder van de maanlanding in 1969 kon geen blijvende verwondering voor de sterren inboezemen, omdat filmmakers de ruimte in een heel enge plaats veranderden.
Underdog sporthelden, boze geesten, buitenaardse bezoekers, Shaolin monniken, burgerwachten, killer haaien en nog veel meer definiëren een gecompliceerd decennium dat nog steeds lijdt onder de zonden van Vietnam en een heropleving van de spanningen in de Koude Oorlog. Maar welke films vermaakten het publiek in deze verontrustende tijden? Hier zijn de 32 beste films van de jaren 1970.
32. Slap Shot (1977)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
Sla deze op onder: Wat doet Paul Newman hier? Slap Shot, geschreven door scenarioschrijfster Nancy Dowd en losjes geïnspireerd op het minor league hockeyteam van haar echte broer dat verkocht werd, is een rel over een hockeyteam in een klein stadje dat het moeilijk heeft en een flinke oppepper krijgt als de nieuwste spelers, de gebroeders Hanson, spectaculaire klappen uitdelen op het ijs tot groot genoegen van de fans. Slap Shot, geregisseerd door George Roy Hill, dateert van voor de meeste cultsportkomedies, maar deze overtreft ze nog steeds allemaal met zijn holbewoner-sfeer, lachwekkende stukjes en Oscar-winnaar Paul Newman – als speler-coach Ruggie Dunlop – die onverwacht op zijn gemak is als een gerijpte kleedkamerveteraan met een benijdenswaardige garderobe.
31. Wanda (1970)
(Afbeelding credit: Bardene International Films)
Wanda is een mijlpaal in het maken van onafhankelijke films en volgt een vrouw zonder vooruitzichten die in het gezelschap van een bankovervaller belandt. Wanda, het werk van schrijfster, regisseuse en hoofdrolspeelster Barbara Loden, is een meelevend en tragisch portret van vrouwen die door de mazen van de moderne maatschappij vallen, en weerspiegelt Lodens eigen gevoelens van doelloosheid in die tijd. Loden kreeg een paar jaar later de diagnose borstkanker en stierf in 1980, waarbij Wanda uiteindelijk Lodens enige regie werd. Maar zelfs met slechts één film beïnvloedde Loden generaties onafhankelijke artiesten en zette hij voorgoed de standaard voor iconoclastische cinema.
30. Nashville (1975)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
In Robert Altmans epische muzikale komedie Nashville wordt een politieke bijeenkomst en muziekfestival dat een week duurt een terrarium voor het Amerika van de jaren 70. De politieke en sociologische uitgestrektheid wordt samengebald in een microkosmos van de countrymuziekindustrie. De film heeft een grote ensemblecast, waaronder David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin en nog veel te veel anderen om op te noemen. Hoewel gemarineerd in de politiek en sociale dynamiek van midden jaren ’70, is Altmans film tientallen jaren later nog steeds griezelig relevant.
29. Suspiria (1977)
(Afbeelding credit: Produzioni Atlas Consorziate)
Dario Argento’s 1977 klassieker Suspiria, een reus van de giallo horror, is een buitenaards stuk over de duistere kanten van matriarchaten en vrouwelijke kunst. Jessica Harper schittert als een Amerikaanse ballerina die overgeplaatst wordt naar een prestigieuze academie in Duitsland, om er vervolgens achter te komen dat de school bewoond wordt door een heksenkring. In dit verdorven sprookje laat Argento alle macht van het levendige Technicolor los met een aanval van rode, blauwe en roze paletten die door elkaar wervelen in iets wat lijkt op een oproepingsritueel. In combinatie met een angstaanjagende sfeer die wordt opgeroepen door een opvallende score van de progressieve rockband Goblin, is Suspiria onvergetelijk gracieus en gruwelijk.
28. American Graffiti (1973)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
George Lucas was net 29 jaar oud toen zijn coming-of-age klassieker American Graffiti met lovende kritieken in de bioscoop verscheen. De toekomstige Star Wars regisseur zat nauwelijks in zijn midlife crisis toen hij weemoedige nostalgie naar zijn tienerjaren in 1962 tentoonstelde, als één van de vele onstuimige jongeren die in opgevoerde hot rods stapten en op avontuur gingen in hun eigen binnenstad. Hoewel Lucas’ naam nu synoniem is aan grootschalige escapistische blockbusters, voelt zijn meest nuchtere film, die een groep rock-‘n-roll tieners volgt tijdens een zomernacht in Lucas’ Californische geboorteplaats Modesto, nog steeds levendig aan als een semi-autobiografisch stuk uit die tijd, gemaakt door de ogen van iemand die niet veel ouder is dan zijn eigen personages.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Afbeelding credit: 20th Century Studios)
Deze levendige hommage aan sci-fi en B-grade horrorfilms, geregisseerd door Jim Sharman en gebaseerd op de musical uit 1973, werd grotendeels genegeerd bij de release, toen het geplaagd werd door slechte recensies en zelfs zijn Halloween-wereldpremière in New York City geannuleerd werd. Pas een jaar later vond de film eindelijk een schare fans en werd zijn status als titaan van middernachtfilms bevestigd. Susan Sarandon en Barry Bostwick spelen de hoofdrollen van een jong stel dat vast komt te zitten in het griezelige landhuis van een gekke wetenschapper (onvergetelijk gespeeld door Tim Curry). Met zijn verachtelijke esthetiek en aanstekelijke muziek is The Rocky Horror Picture Show een eeuwige uitnodiging om de Time Warp opnieuw te doen, en opnieuw, en opnieuw.
26. The French Connection (1971)
(Afbeelding credit: 20th Century Studios)
Deze misdaad noir van William Friedkin, die algemeen wordt beschouwd als een van de beste films aller tijden en een van de beste achtervolgingsscènes uit de geschiedenis bevat, is gebaseerd op een waargebeurd verhaal en geeft, heel toepasselijk, op authentieke wijze de winterse grime van het New York van begin jaren ’70 weer. The French Connection verdeelt de tijd tussen New York en het schilderachtige Frankrijk en volgt twee hardvochtige NYPD-detectives (gespeeld door Gene Hackman en Roy Scheider) wiens onderzoek naar een narcoticaring een grootschalig internationaal complot aan het licht brengt. The French Connection staat symbool voor het morele verval van het decennium en komt na al die jaren nog steeds hard aan.
25. Annie Hall (1977)
(Image credit: United Artists)
Hoewel de bewondering voor Woody Allen in de loop der jaren begrijpelijkerwijs is verzuurd, verdient Annie Hall nog steeds waardering als een schandalig speels en diep doordacht onderzoek naar moderne romantiek. Met schrijver/regisseur Allen die eigenlijk zichzelf speelt (schokkend, ik weet het), volgt de film een neurotische komiek die zich afvraagt waarom zijn relatie met zijn meest recente vriendin, Annie Hall (Diane Keaton), uit elkaar is gevallen. Annie Hall, dat losstaat van de werkelijkheid en niet-lineair verteld wordt tussen de ongewone jeugd van de hoofdpersoon en zijn andere mislukte huwelijken, is al zo lang de koning van de romantische komedies, zij het met een happy end dat nog steeds niet te vergelijken is met de meeste traditionele rom-coms.
24. Halloween (1978)
(Afbeelding credit: Trancas International Films)
Je hoeft alleen maar die spookachtige pianoklanken te horen om te weten dat je op een steenworp afstand bent van een moordenaar met een griezelig wit Captain Kirk-masker. De vierde film van John Carpenter, Halloween, is de basis van het slashergenre en nog steeds een van de beste die het genre te bieden heeft. Actrice Jamie Lee Curtis werd beroemd als Laurie Strode, een alledaags meisje van de middelbare school dat op Halloweenavond met geweld wordt gestalkt door Michael Myers (gespeeld door Nick Castle en Tony Moran), een onoverwinnelijke moordenaar en ontsnapte uit een psychiatrische inrichting. Hoewel Halloween de inspiratie is geweest voor talloze vervolgen die samen één van de meest lucratieve horrorfilmfranchises aller tijden vormen, is de originele film een op zichzelf staand kunstwerk over de verzwegen trauma’s die overal in buurten op de loer liggen.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
In Robert Bentons hartverscheurende drama, gebaseerd op een roman van Avery Corman uit 1977, onthult een bittere scheiding tussen een jong stel – gespeeld door Meryl Streep en Dustin Huffman – de vele manieren waarop de maatschappij mensen belastende verwachtingen oplegt om een gezin groot te brengen waar hun knieën onderdoor knikken. In dit verhaal zijn er geen schurken (behalve een paar klote advocaten), alleen de harde waarheid dat liefde niet kan voldoen aan wat we eigenlijk willen en nodig hebben. In 1979 vond Kramer vs. Kramer weerklank bij het publiek door zijn authentieke portrettering van moderne gezinnen; volgens gegevens van het CDC bereikte het scheidingspercentage datzelfde jaar een recordhoogte van 22,8 procent.
22. Superman: De film (1978)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Met de knappe Christopher Reeve als de Man van Staal, samen met Margot Kidder en Gene Hackman, geloofde het publiek echt dat een man kon vliegen. Gebaseerd op het DC Comics icoon van Jerry Siegel en Joe Shuster, bewees Richard Donners baanbrekende superheldenfilm (en sjabloon voor het Marvel Cinematic Universe) dat stripverhalen verteld kunnen worden met acteurs van vlees en bloed op het scherm. Te midden van een turbulente omgeving die achtervolgd werd door Vietnam, het Watergateschandaal en de existentiële angst door de Koude Oorlog, herinnerde Superman: The Movie het publiek eraan dat zelfs mensen met macht nog steeds voor waarheid en gerechtigheid kunnen staan. Zou dat niet de Amerikaanse manier moeten zijn?
21. Enter the Dragon (1973)
(Afbeelding credit: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee is een grotere ster als hij dood is dan hij ooit levend was, en dat is voor een groot deel te danken aan het verleidelijke Enter the Dragon. Enter the Dragon werd geregisseerd door Robert Clouse, maar wordt het best herinnerd als een middel voor de legendarische hoofdrolspeler om te schitteren met supernova-energie in zijn enige Hollywoodfilm. Enter the Dragon, een meesterwerk van martial arts machismo, heeft Lee in de hoofdrol als een Shaolin monnik die door het Britse leger wordt gerekruteerd om het fort van een misdaadheer op een eiland te onderzoeken. De tragedie van Bruce Lee’s dood, die onder vreemde omstandigheden plaatsvond slechts een paar maanden voor de première van de film, was dat hij duidelijk voor veel meer bestemd was. Enter the Dragon geeft slechts een glimp van wat had kunnen zijn.
20. Saturday Night Fever (1977)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Niets definieert de jaren ’70 zoals disco, en geen film definieert disco zoals John Badhams Saturday Night Fever. Tussen de monsterhitsoundtrack en een jonge John Travolta die swingt als een hysterische pauw, is Saturday Night Fever een aanval op de zintuigen die er niet voor terugdeinst om in de donkere hoeken van de discotheek te kijken. Travolta speelt een 19-jarige arbeider die doordeweeks in zijn ijzerwinkel werkt om elke zaterdagavond in zijn favoriete nachtclub te kunnen leven als een koning. Hoewel het tijdschriftartikel waar de film op geïnspireerd was een klucht bleek te zijn, maakte Saturday Night Fever disco echt Amerika’s obsessie voor een onvergetelijk moment in de tijd.
19. Close Encounters of the Third Kind (1977)
(Afbeelding credit: Sony Pictures)
Voorafgaand aan Steven Spielbergs eigen seismische film E.T.: The Extra-Terrestrial is zijn epos Close Encounters of the Third Kind uit 1977. Na een toevallige ontmoeting met een UFO belandt een elektricien uit Indiana (Richard Dreyfuss) op de eerste rij bij de eerste officiële ontmoeting tussen de Aarde en een buitenaardse samenleving. Close Encounters of the Third Kind is een duizelingwekkend spektakel met een bijzonder vorstelijke toon en sfeer dan de meeste films over buitenaardse invasies voor of na deze tijd en was de voorbode van een nabije toekomst vol volwassen sciencefiction.
18. De Deer Hunter (1978)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
In de onmiddellijke nasleep van Vietnam aarzelde de meerderheid van Hollywood om het hoofd te bieden aan de abjecte mislukking van Amerika’s buitenlands beleid dat tientallen mensenlevens als pionnen speelde. Maar Michael Cimino’s The Deer Hunter (met Robert De Niro, Christopher Walken en Meryl Streep in de cast) was een van de eerste en nog steeds de meest opmerkelijke films waarin de afschuwelijke uitholling van de nationale moraal door de Vietnamoorlog direct aan bod kwam. Hoewel de verhalen verschillen over hoe The Deer Hunter afweek van het originele script, dat zich afspeelde in de onderbuik van Las Vegas, is Cimino’s film een onverzettelijke, onverbloemde krachtpatser over hechte vrienden uit Pennsylvania wiens levens voor altijd veranderd zijn door hun legerdienst in Vietnam. Het centrale “spel” van Russische roulette werd door de grote criticus Roger Ebert geïnterpreteerd als een “organiserend symbool” over willekeurig geweld dat “elke ideologische verklaring over de oorlog overbodig maakt”.
17. The Sting (1973)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
Een paar jaar nadat hij met zowel Robert Redford als Paul Newman had samengewerkt aan Butch Cassidy and the Sundance Kid, kwam regisseur George Roy Hill weer samen met de twee gedecoreerde acteurs aan een andere filmknaller, The Sting. Deze onberispelijk stijlvolle nostalgische misdaadcaper, die zich afspeelt tijdens de Grote Depressie, vertelt over twee zwendelaars die samenwerken om een maffiabaas op te lichten. De onmogelijk uitgewerkte plannetjes van de personages worden gecomplimenteerd door hun mooie kleding, een easygoing ragtime soundtrack en een algeheel gedistingeerd esthetisch ontwerp dat doelbewust doet denken aan het doorbladeren van stoffige exemplaren van The Saturday Evening Post. Met Redford en Newman op alle fronten, is het gewoon te gemakkelijk voor The Sting om u als een sukkel te bespelen.
16. Carrie (1976)
(Afbeelding credit: United Artists)
De ultieme anti-pestcampagne ooit moet Carrie zijn, Brian De Palma’s blijvende horrorklassieker. Carrie is gebaseerd op de even formidabele debuutroman van Stephen King en gaat over een verlegen, gepeste tiener (gespeeld door Sissy Spacek) die bovennatuurlijke krachten ontwikkelt en deze gebruikt om wraak te nemen op haar hele school. Hoewel de slow-motion manier waarop het varkensbloed in de film wordt gegoten tot in het oneindige is uitgelachen, is Carrie nog steeds angstaanjagend in haar nachtmerrieachtige weergave van de middelbare school en hoe die voor veel ongelukkigen traumatiserend genoeg is om diepe wonden achter te laten.
Carrie£8.99 bij Waterstones
15. Network (1976)
(Afbeelding credit: United Artists)
Voor iedereen die zich als een bezetene voelt en er niet meer tegen kan, is er Network. Het donkerkomische drama van Sidney Lumet, een baanbrekend stuk sociaal commentaar over de onhoudbaarheid van de eindeloze sensatiezucht van de media, gaat over een TV-netwerk dat op instorten staat totdat de gerespecteerde presentator, Howard Beale (Peter Finch), zichzelf live op TV met de dood bedreigt. Terwijl zijn manie toeneemt naarmate de kijkcijfers stijgen, onderzoekt Network de roep van smaak tegen een lawine van giftige informatie. Network dateert van ver voor het tijdperk van kabelnieuws en sociale media, maar zelfs na al die jaren heeft het nooit aan betekenis ingeboet.
14. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)
(Afbeelding credit: United Artists)
Jack Nicholson en Louise Fletcher spelen mee in MiloŠ Formans One Flew Over the Cuckoo’s Nest, een duister drama dat zich afspeelt in een psychiatrische inrichting in Oregan, waar een patiënt (Nicholson) overgeleverd is aan de tirannieke verpleegster Ratched (Fletcher) en een opstand van zijn medepatiënten tegen haar leidt. De film, die gebaseerd is op Ken Kesey’s roman uit 1962, bestaat als een gevierde anti-conformisme metafoor; hoewel Roger Ebert er in een gloedvolle herlezing uit 2003 op wijst dat de oplossingen voor geestesziekten te simpel worden voorgesteld, is dat niet echt het punt “want het heeft geen belang om over krankzinnigheid te gaan,” schreef Ebert. “Het gaat over een vrije geest in een gesloten systeem.”
Grappig om op te merken: de film is gefilmd op locatie in het Oregon State Hospital, een echt functionerend psychiatrisch ziekenhuis. In ruil voor het feit dat de filmmakers de locatie en de acteurs mochten gebruiken om echte patiënten te schaduwen voor onderzoek, moesten ziekenhuispatiënten deel uitmaken van de filmploeg. In een artikel uit 2017 voor The Guardian zei acteur Michael Douglas, die de film produceerde: “We eindigden met een aantal [patiënten] die op verschillende afdelingen werkten. Ik realiseerde me pas later dat veel van hen crimineel gestoord waren. We hadden een brandstichter die op de kunstafdeling werkte.”
13. Solaris (1972)
(Afbeelding credit: Mosfilm)
Stel je voor dat je een andere film zo erg haatte, dat je je eigen film maakte, alleen maar om het ze betaald te zetten. Dat is hoe de Russische filmmaker Andrei Tarkovsky zijn sciencefictionfilm Solaris (gebaseerd op de roman van Stanislaw Lem uit 1961) benaderde als een weerwoord op 2001: A Space Odyssey van Stanley Kubrick. Op een ruimtestation dat in een baan rond de fictieve planeet Solaris draait, wordt een psycholoog (gespeeld door Donatas Banionis) op een missie gestuurd om de bemanning te psycho-analyseren, die gemeld heeft aan een emotionele crisis ten prooi te zijn gevallen. In tegenstelling tot de film van Kubrick, wordt Tarkovsky’s Solaris niet gekenmerkt door een smetteloos ontwerp, maar door een versleten en vervallen esthetiek die spreekt tot een meer oprechte menselijke ervaring. Tarkovsky instrueerde zijn art director: “Laten we ons ruimtestation eruit laten zien als een kapotte oude bus en niet als een futuristisch ruimte-utopia.”
12. Dirty Harry (1971)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Met de ontbinding van de Hays Code in 1968 kwam Clint Eastwood, met een .357 Magnum in de hand, in 1971 met Dirty Harry. In de film, geregisseerd door Don Siegel, speelt Eastwood de rol van de corrupte San Francisco agent “Dirty” Harry Callahan, misschien wel de ultieme antiheld van de film vanwege zijn vastberadenheid om de wet te handhaven, wat er ironisch genoeg toe leidt dat hij de wet vaak buigt. Terwijl Dirty Harry een franchise voortbracht, is de eerste film een torenhoog werk waarin Hollywood zich eindelijk echt overgaf aan geweld op het scherm, dat A-OK was in zijn rechtvaardiging door Harry’s misplaatste rechtschapenheid. Eastwoods retorische vraag “Voel je je gelukkig, punker?” is een toonbeeld van de miasma van een amoreel decennium.
11. Rocky (1976)
(Afbeelding credit: United Artists)
Na jaren worstelen om het te maken als acteur, gaf Sylvester Stallone zijn acteercarrière bijna op totdat hij langzaam maar zeker werk vergaarde als TV figurant. Toen stapte hij in de ring met Rocky, en sindsdien is hij nooit meer dezelfde geweest. In John G. Avildsen’s emotionele sportdrama speelt Stallone de aspirant-bokser en schuldenaar Rocky Balboa die in het middelpunt van de belangstelling komt te staan wanneer zwaargewichtkampioen Apollo Creed (Carl Weathers) Rocky uitkiest om te vechten in een professionele demonstratie. Rocky is een opzwepend sportdrama voor underdogs dat talloze soortgelijke films heeft geïnspireerd en is nog steeds zonder meer een van de beste sportfilms aller tijden. Het was voorspelbaar dat er een franchise uit voortkwam, waarbij Rocky III de wereld “Eye of the Tiger” gaf.
10. A Clockwork Orange (1971)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Stanley Kubricks surrealistische dystopische drama, een bewerking van Anthony Burgess’ roman uit 1962, is gewoonweg een van de meest verontrustende films aller tijden. De film draait om de razernij van een angstaanjagend charismatische tienerleider (gespeeld door Malcolm McDowell), en Kubrick’s thematische dichtheid toont de extreme uiteinden van jeugddelinquentie, verzwakte sociale cohesie en de machteloosheid van het gezag. Het gruwelijke geweld op het scherm dient een punt, maar helaas zijn er al zo lang mensen die het punt niet begrepen en heeft de film controversiële inspiratie gegeven voor real-life copycat-misdaden. Ondanks dat A Clockwork Orange op aandringen van Kubrick uit de bioscopen werd gehaald, overleeft het als een meesterwerk dat zijn vele ideeën door de smalle paden van een doolhof loodst.
A Clockwork Orange£6.39 bij Amazon£8.19 bij Hit£9.69 bij Hive Books
9. Chinatown (1974)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Je kunt Roman Polanski’s Chinatown definiëren aan de hand van de laatste regel: “Vergeet het maar, Jake. Het is Chinatown.” Het uitgangspunt is bedrieglijk eenvoudig: in 1937 huurt een vrouw (Faye Dunaway) privédetective Jake Gittes (Jack Nicholson) in om haar man te volgen op verdenking van ontrouw. Wat er feitelijk gebeurt is een veelgelaagde opgraving in de duistere diepten waartoe de mens verontrustend in staat is, waarbij de film film film noir en mysterieconventies gebruikt om echt als een psychologisch drama te functioneren. Chinatown is niet zomaar een locatie in de film, maar een metafoor voor chaos, kwaad en zinloosheid, waarbij het beste en meest morele wat men kan doen is om niets te doen.
8. Apocalypse Now (1979)
(Afbeelding credit: United Artists)
Francis Ford Coppola verloor bijna zijn knikkers bij het maken van Apocalypse Now. Overspannen door talloze problemen op de set, waaronder een te hoog budget, een opnameschema dat veel langer duurde dan de geplande vijf maanden, verwoestende stormen op de Filipijnen en Charlie Sheen die een hartaanval kreeg, gaf Coppola in 1991 zelf toe: “Beetje bij beetje werden we gek.”Het is moeilijk te zeggen zonder Coppola te zijn of de pijn het waard was, maar tientallen jaren na de release in 1979 wordt Apocalypse Now algemeen beschouwd als een megaklassieker en een edelsteen van de canon van New Hollywood. De film, een fantasmagorische duik in de Vietnamoorlog, gaat over een militaire kapitein (Sheen) die in het geheim de opdracht krijgt om een schurkachtige kolonel (Marlon Brando) te vermoorden die door zijn mannen en de lokale bevolking als een halfgod wordt aanbeden. Apocalypse Now, briljant en gedurfd, is misschien wel de definitieve Vietnam-oorlogsfilm, maar vindt weerklank bij iedereen die naar de hel en terug is geweest.
7. The Exorcist (1973)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Het is een film die het publiek zo bang maakte dat de mond-tot-mondreclame zich als een lopend vuurtje verspreidde, waardoor het misschien wel de eerste virale hit werd. Deze verfilming van de roman van William Peter Blatty (die ook het scenario schreef), geregisseerd door William Friedkin, gaat over een priester (Jason Miller) die aan een geloofscrisis lijdt en van de kerk de opdracht krijgt om de demonische bezetenheid van een jong meisje (Linda Blair) te onderzoeken. The Exorcist, een baanbrekende kaskraker, maakte het horrorgenre niet alleen meer mainstream, maar ook respectabel en bewees dat het tot veel meer in staat is dan make-up en monsters. In dit geval een angstaanjagende film over wat het betekent om de confrontatie aan te gaan met het kwaad van zelftwijfel. Wat weetjes voor u: De film was komisch genoeg gepland voor een release op 26 december, de dag na Kerstmis. Friedkin wilde een andere datum, maar filmhistoricus Sarah Crowther denkt dat de datum expres was gekozen om de controverse aan te wakkeren.
6. All the President’s Men (1976)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Er gebeurde iets op 17 juni 1972 in het hoofdkwartier van het Democratic National Committee in Washington D.C. Dat iets was het Watergateschandaal, dat een boek werd van de Washington Post-journalisten Carl Bernstein en Bob Woodward. Vier jaar later werd het onderzoek van Bernstein en Woodward een van de meest bepalende films van het decennium: All the President’s Men, geregisseerd door Alan J. Pakula. All the President’s Men is een film die een lans breekt voor vindingrijkheid en deugdzame principes onder meedogenloos oneerlijk bewind. Het is een meeslepende film, juist vanwege de weinig glamoureuze kijk op de hardnekkige volharding van de gumshoe-journalistiek. Het is een beroep vol gesloten deuren, genegeerde telefoontjes en anonieme cryptische gesprekken. Toch blijft Pakula’s film boeien als twee mannen op zoek gaan naar de waarheid wanneer niemand anders in staat is om het werk te doen.
5. Alien (1979)
(Afbeelding credit: 20th Century Studios)
Ridley Scotts monumentale sciencefiction-horrorfilm creëerde niet alleen een blijvende franchise en maakte sterren van Sigourney Weaver en John Hurt, maar vormde ook de taal en esthetiek voor alle toekomstige genrehybriden. De film speelt zich af in de verre toekomst, waar ruimtereizen heel gewoon zijn, en de zevenkoppige bemanning van het commerciële sleepschip Nostromo wordt voortijdig uit stasis gewekt door een noodoproep. Wanneer de avonturiers terugkeren van hun onderzoek naar een verlaten buitenaards schip, brengen ze onbewust een buitenaards wezen mee, dat snel uitgroeit tot een zuurspuwende bedreiging die hen allen bedreigt. Met de iconische slogan “In space, no one can hear you scream” gaf Alien in één klap een nieuw, angstaanjagend gezicht aan twee legendarische genres.
4. Taxi Driver (1976)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
Taxi Driver, bedoeld door regisseur Martin Scorsese om aan te voelen als een droom, lijkt meer op een door koorts veroorzaakte hallucinatie als psychologische thriller over de missie van een gestoorde man om in zijn eentje een corrupte stad New York op te ruimen. Met Robert De Niro in de hoofdrol als Travis Bickle, een getraumatiseerde Vietnam-veteraan en nachtelijke taxichauffeur, is Taxi Driver een kijkje in het brein van een onzekere man die zijn tekortkomingen overcompenseert met extreme mannelijkheid en grootheidswaanzin. Tientallen jaren na de release in 1976 is Scorsese’s controversiële film – die minstens één poging tot een presidentiële moord inspireerde – nog steeds alarmerend relevant.
3. The Godfather (1972)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola had kunnen stoppen bij The Godfather en hij zou nog steeds een gerespecteerd filmkunstenaar zijn. Gebaseerd op Mario Puzo’s bestseller uit 1969 over een fictieve Italiaanse maffiadynastie, speelt Coppola’s onsterfelijke film met Al Pacino en Marlon Brando (plus James Cann, Robert Duvall en Diane Keaton) als de hoofden van de Corleone misdaadfamilie. In Coppola’s wijdvertakte epos, dat zich afspeelt tussen 1945 en 1955, groeit Michael Corleone (Pacino) op van de jongste zoon die niet eens wil nadenken over het familiebedrijf tot de opvolger van zijn vader. The Godfather, een echte Amerikaanse klassieker, is echt een van de beste films aller tijden met zijn dramatische studie van familiedynamiek en de sfeervolle werelden van de Italiaanse maffia in het naoorlogse Amerika.
The Godfather£6.63bij Amazon
2. Star Wars (1977)
(Afbeelding credit: 20th Century Studios)
Het heeft een van de meest lucratieve en meest erkende mediafranchises ter wereld voortgebracht. Maar zelfs als dat nooit zo was, is George Lucas’ film Star Wars uit 1977 (sindsdien herdoopt tot Star Wars: Episode IV – A New Hope) een artistieke prestatie van pure verbeelding. Star Wars is ontstaan uit Lucas’ eigen onvermogen om een Flash Gordon-film te maken en is bovenal een klassiek verhaal van goed tegen kwaad, waarin schamele underdogs gewapend met progressieve idealen het toch nog kunnen winnen van superieure krachten. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness en de gezaghebbende stem van James Earl Jones bevolken het ultieme escapistische avontuur uit een heel ver weg sterrenstelsel.
Star Wars£9.95 bij Amazon£12.98 bij Amazon£13.60 bij Amazon
1. Jaws (1975)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
Het is zomer, maar dat betekent nog niet dat u niet bang hoeft te zijn voor het donker van de afgrond onder u. In Steven Spielbergs definitieve monster-horrorfilm Jaws wordt een schilderachtig strandstadje geterroriseerd door een bijzonder hongerige grote witte haai die als een berekende seriemoordenaar zijn dodental opvoert. Als een van de eerste echte Hollywood-kaskrakers overwon Spielberg knap de technische problemen met de haai om een sfeer van voortdurende, onvoorspelbare angst te creëren; niets is enger als je op geen enkel moment weet waar het monster zich bevindt. Hoewel er nog veel meer films uit de jaren 1970 zijn die dezelfde erkenning verdienen als de beste aller tijden, is er maar één die waardig genoeg is om een grotere boot te eisen.
Jaws8.1/10Kijken op Netflix£6.39 bij Amazon£9.69 bij Hive Books