Hoe u ook denkt dat de jaren ’60 waren of eruit zagen, denk nog maar eens na. Het tumultueuze decennium is veelzijdig op allerlei manieren, inclusief films. Maar welke films uit de jaren ’60 zijn eigenlijk de beste?
In een decennium dat gekenmerkt werd door veranderende maatschappelijke normen, om nog maar te zwijgen van de burgerrechtenbeweging en het politieke moeras dat Vietnam was, weerspiegelden de films uit de jaren ’60 een wereldwijde gemeenschap in beweging. Avant-gardistische buitenlandse import uit Japan, Italië, Frankrijk en elders nam de aandacht weg van beproefde Amerikaanse stijlen. Ondertussen zagen filmmakers dat hun vak werd uitgedaagd door een nieuw, goedkoper alternatief van entertainment: televisie. In plaats van een hoger niveau van spektakel te bieden dan de minuscule budgetten van TV konden evenaren, probeerden de films van het decennium echter het publiek uit te dagen met meer subversieve verhalen die de grenzen van aanvaardbaarheid opnieuw trokken.
Net als de jaren 1950 daarvoor, voorzagen de jaren 1960 de morele dubbelzinnigheden van de nabije toekomst. Terwijl de bekrompen Hays Code zijn greep op de werkelijkheid verloor, gaf de plotselinge explosie van New Hollywood – al uitgesloten door de Franse New Wave – filmmakers meer creatief auteurschap, waardoor ze in hun films een hippe tegencultuur konden weerspiegelen die overal in steden, communes en op universiteitscampussen doordrong.
Met zoveel klassieke films om op te noemen, zijn hier slechts 32 van de beste films uit de jaren 1960.
32. Batman (1966)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Heilige cinema, Batman! De film Batman uit 1966 (geregisseerd door Leslie H. Martinson) werd oorspronkelijk gemaakt door producent William Dozier om de TV-serie te promoten, maar vertegenwoordigt nu camp art in al zijn extravagante glorie. Met Adam West in de rol die hem beroemd maakte, neemt de Caped Crusader het op tegen de meest snode boosdoeners van Gotham City, die zich hebben verenigd in de United Underworld. Hoewel het zeker niet de beste superheldenfilm is die ooit gemaakt is, maakt de samenvatting van de beroemde tv-serie – helemaal opgeblazen voor het grote scherm – Batman tot een van de kleurrijkste, meest buitensporige en vooral leukste commerciële films in een uitdagend decennium. Er zijn van die dagen dat je gewoon niet van een bom af kunt komen.
31. Barbarella (1968)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Een cultfilm van de hoogste orde, Jane Fonda speelt in een B-grade sci-fi juweeltje waarvan de aantrekkingskracht ligt in het feit dat, nou ja, Jane Fonda een lekker ding is in de ruimte. (En Barbarella is zo echt kijkbaar vanwege Fonda’s ijver om alles te willen). De film is gebaseerd op de Franse stripreeks en volgt Barbarella (Fonda), een ruimtereiziger die op zoek is naar een wetenschapper met een wapen dat de mensheid kan uitroeien. Nadat sterren als Brigitte Bardot en Sophia Loren de rol hadden afgewezen, twijfelde Fonda over de seksueel getinte aard van de rol; op dat moment was Fonda het middelpunt van twee naaktschandalen in de films Circle of Love en The Game Is Over. Maar Fonda was verkocht toen regisseur Roger Vadim haar vertelde dat sci-fi binnenkort een prestigieus genre zal worden. Met Star Wars nog negen jaar in het verschiet had Vadim vrijwel gelijk, ook al is Barbarella vandaag de dag niet meer zo’n grote franchise.
30. De paraplu’s van Cherbourg (1964)
(Image credit: 20th Century Studios)
In Jacques Demy’s onvergetelijke romantische doorzonmusical staat een jong Frans koppel te popelen om voor altijd te beginnen, totdat ze uit elkaar worden gerukt door de Algerijnse oorlog. Wanneer ze onvermijdelijk weer bij elkaar komen, onthullen de ijzige temperaturen een ooit verhitte passie die koud is geworden. Catherine Deneuve en Nino Castelnuovo spelen mee als een betoverend paar dat de universele opwinding van jong en verliefd zijn vertegenwoordigt, de tragedie van het te vroeg vinden van de liefde en de bittere acceptatie dat het leven niet altijd zal lopen zoals je had gepland. Van de films die deel uitmaken van Demy’s romantische trilogie – waaronder Lola (1961) en The Young Girls of Rochefort (1967) – staat The Umbrellas of Cherbourg het hoogst als een film die het meest recht doet aan de bitterzoete kortstondigheid van jonge liefde.
29. Onibaba (1964)
(Afbeelding credit: Toho)
Het is een film die zo angstaanjagend is dat zelfs William Friedkin, de regisseur van The Exorcist, er bang van werd. Onibaba is een hervertelling van een boeddhistische parabel over een vervloekt masker dat degenen die het dragen straft. Onibaba volgt twee vrouwen die rondtrekkende samoerai lokken om hen te doden en hun wapens voor geld te verkopen. Wanneer een man tussen hen in komt, waaien oude gevoelens als afgunst en woede als de winden van een duistere, onheilige storm. Deze macabere film met superieure veldritmische energie krijgt een extra betekenis als u weet dat schrijver/regisseur Kaneto Shindō uit Hiroshima kwam. Onibaba was een van Shindō’s vele films die worstelden met de verschrikkingen van nucleaire vernietiging en zijn eigen persoonlijke realiteit, toen hij zag hoe zijn huis met de grond gelijk werd gemaakt en de overlevenden achterbleven met onuitwisbare wonden.
28. Easy Rider (1969)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
De Amerikaanse New Wave begon vol gas met Easy Rider, een moderne western als er ooit een was. Easy Rider, geregisseerd door Dennis Hopper en geschreven door Hopper met Peter Fonda en Terry Southern, volgt twee motorrijders (gespeeld door Hopper en Fonda) die vanuit het Amerikaanse zuiden naar het westen rijden met geld dat ze verdiend hebben met een lucratieve cocaïnedeal. Easy Rider, een mijlpaal in de tegencultuur, vormde eigenhandig onze collectieve woordenschat voor de open weg als de laatste grens voor avontuur en de enige plek op aarde om een gevoel van identiteit en vrijheid te vinden.
27. Het appartement (1960)
(Image credit: United Artists)
Konden muren maar praten. In Billy Wilder’s romkom The Apartment uit 1960 speelt Jack Lemmon een ambitieuze verzekeringsagent die, in de hoop hogerop te komen op zijn werk, zijn oudere collega’s toestaat om zijn Upper West Side appartement te gebruiken voor hun buitenechtelijke affaires. De zaken worden ingewikkeld wanneer Bud van Lemmon verliefd wordt op Fran (Shirley MacLaine), die een affaire heeft met Bud’s eigen baas. The Apartment is losjes geïnspireerd op de Britse film Brief Encounter uit 1945 en een waargebeurd Hollywood-schandaal over een affaire van een producent die plaatsvond in het appartement van hun werknemer. Het is een heerlijke komedie over nooit te dicht op de actie zitten.
26. To Kill a Mockingbird (1962)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
Harper Lee’s baanbrekende roman uit 1960, over een principiële advocaat die een onschuldige zwarte man verdedigt die beschuldigd wordt van aanranding, werd twee jaar later op meesterlijke wijze bewerkt voor het witte doek door regisseur Robert Mulligan. Met Gregory Peck in de hoofdrol als Atticus Finch en Mary Badham als zijn jonge dochter Scout – wiens perspectief de hoofdrol speelt in het verhaal – is Mulligans filmversie geprezen als een volwaardige Amerikaanse klassieker, omdat het een tedere en ontroerende studie is over opgroeien in een omgeving vol vooroordelen. Door de onvergetelijke verdedigingsmonoloog van Finch (waarbij Mulligans camera wijselijk het perspectief van de jury neemt) heeft To Kill a Mockingbird onnoemelijke generaties een les gegeven in het opkomen voor wat juist is, zelfs wanneer gerechtigheid schaars is.
25. Night of the Living Dead (1968)
(Afbeelding credit: Criterion)
Vóór The Walking Dead was er Night of the Living Dead van George Romero, die niet alleen zombies in het Amerikaanse popcultuurlexicon introduceerde, maar het genre aantoonbaar het beste deed. Het speelt zich af op het platteland van Pennsylvania en zeven overlevenden verschansen zich in een boerderij terwijl hordes vleesetende lijken plotseling overal tot leven zijn gekomen. Night of the Living Dead schreef niet alleen het draaiboek voor alle zombie-horrorverhalen, maar de casting van de zwarte acteur Duane Jones (als hoofdrolspeler Ben) was zowel revolutionair als uitgesproken politiek, waardoor zombies voor altijd een dynamische en vloeiende metafoor werden voor wat de mens monsterlijk vindt in het hartverscheurende twist-einde.
24. Planet of the Apes (1968)
(Image credit: 20th Century Studios)
Planet of the Apes is losjes gebaseerd op de roman van Pierre Boulle uit 1963 en Franklin J. Schaffners filmversie heeft Charlton Heston in de hoofdrol als een astronaut die landt op een vreemde planeet waar de mensheid primitief is en pratende apen de overhand hebben genomen als de meest intelligente soort. Terwijl Planet of the Apes een franchise voortbracht, is het origineel van Schaffner een torenhoog stuk sciencefiction dat zowel technisch spectaculair als spiritueel voorbodevol is. Al die jaren later is Planet of the Apes nog steeds een krachtige waarschuwing tegen de arrogante houding van de mens ten opzichte van zijn plaats op de voedselketen.
23. De Manchurian Candidate (1962)
(Image credit: United Artists)
Deze duistere psychologische thriller van John Frankenheimer, gebaseerd op de roman van Richard Condon, is een van de bepalende films uit de Koude Oorlog die inspeelde op de heersende paranoia over vijanden die van binnenuit op de loer lagen. De film werd slechts een jaar voor de moord op JFK uitgebracht en volgt een veteraan uit de Koreaanse oorlog, Raymond Shaw (Laurence Harvey), die zonder het te weten door communisten wordt gehersenspoeld en terug naar de Verenigde Staten wordt gestuurd om een presidentskandidaat te vermoorden. Met Frank Sinatra, Janet Leigh en Angela Lansbury in de hoofdrollen, legde deze spionagethriller met zijn overvloedige politieke spelletjes en samenzweringen de lat voor alle spionagethrillers erna. De vernieuwingen in het genre zijn nog steeds te zien in moderne, gelijksoortige films, van The Bourne Identity tot Captain America: The Winter Soldier. In 2004 kwam er een even formidabele moderne remake uit, met Denzel Washington, Liev Schrieber en Meryl Streep in de hoofdrollen.
22. Blootsvoets in het park (1967)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Jane Fonda en Robert Redford zijn nog nooit zo grappig of heet geweest als als een pasgetrouwd stel dat van hun wittebroodsweken afkomt om de humor van de realiteit onder ogen te zien. Na hun intrek in een vijf etages hoog appartement in Manhattan leren de vrijgevochten Corie (een uitzinnige Fonda) en de wat meer gespannen Paul (Redford, met een scherpe komische timing) wat het betekent om te hebben en te houden als hun eerste paar maanden samen niet zijn wat ze zich ervan hadden voorgesteld. Hoewel de plot vederlicht is, blijft de film – gebaseerd op het toneelstuk van Neil Simon en geregisseerd door Gene Saks – overeind dankzij het stralende charisma van de knappe cast.
21. Mary Poppins (1964)
(Afbeelding credit: Disney)
Een van Disney’s grootste hits ontstond in de jaren 60, met Julie Andrews en Dick Van Dyke die dansten en zongen over de deugden van een meer betrokken gezinsleven. In Edwardiaans Londen vliegt een magische vrouw uit de lucht om de vraag van de kinderen Banks naar “The Perfect Nanny” te beantwoorden. Zij is Mary Poppins (Andrews), een zeer mysterieuze entiteit die zowel zachtaardig als streng is, en precies het lepeltje suiker dat de familie Banks nodig heeft om weer heel te worden. Mary Poppins is technisch oogverblindend en heeft een gezond hart. Het is niet voor niets een van Disney’s meest iconische en succesvolle live-actiefilms ooit. Wat valt er anders te zeggen dan: “Supercalifragilisticexpialidocious!”.
20. Tokyo Drifter (1966)
(Afbeelding credit: Nikkatsu)
Seijun Suzuki’s hommage aan revolverhelden Westerns komt in de vorm van zijn ongelooflijk stijlvolle gangsterfilm Tokyo Drifter, over een hervormde huurmoordenaar genaamd Tetsu (Tesuya Watari) die midden in rivaliserende bendes zit die de macht proberen te consolideren. Suzuki, bekend om zijn excentrieke visuele stijl, werd eerst door de studio gedwongen om zijn gevoeligheden op het scherm af te zwakken; de studio gaf hem een klein budget om ervoor te zorgen dat Suzuki binnen de lijntjes zou kleuren. Als vergelding haalde Suzuki inspiratie uit muzikale films uit de jaren ’50, absurdistische komedie en de opkomende popart scene om zijn meest surrealistische film tot dan toe te maken. Deze filosofie van rebellie-als-verklaring sijpelt door de poriën van Tokyo Drifter, het ingehouden maximalisme in de kaders creëert een ervaring waarbij u niet kunt vergeten hoe het voelt, zelfs als u niet kunt achterhalen wat er aan de hand is.
19. Butch Cassidy en de Sundance Kid (1969)
(Afbeelding credit: 20th Century Studios)
In deze westernklassieker van Georgy Roy Hill, geschreven door William Goldman, spelen Paul Newman en Robert Redford de coolste, meest onaantastbare outlaws van de film tijdens hun wanhopige ontsnapping naar Bolivia. Overleven ze het? Het antwoord daarop is minder interessant dan de rijke, meeslepende reis die Butch Cassidy (Newman) en Harry Longabaugh, a.k.a. “Sundance Kid” (Redford) door de film heen ondernemen, als partners in crime die door hun hechte band de patroonheiligen van broederschap en bromance worden. Hoewel Butch Cassidy and the Sundance Kid niet populair was tijdens de release, heeft het toch respect gekregen als een film die bewijst dat de grootste beloning niet de rijkdom is waarmee je verdwijnt, maar de ervaringen die je kunt opdoen met degenen die er het meest toe doen.
18. A Hard Day’s Night (1964)
(Afbeelding credit: United Artists)
Alle muziekvideo’s, rockster documentaires, concertfilms en TikTok reels zijn schatplichtig aan A Hard Day’s Night. De film van Richard Lester, een caleidoscoop van komedie en muziek, vol snelle cuts en handheld hysterie, legt The Beatles vast op het hoogtepunt van Beatlemania. Maar in plaats van een toegeeflijke, zelfingenomen documentaire over door roem veroorzaakte drama’s en vermoeidheid, ziet A Hard Day’s Night de Liverpoolse rockers overal waar ze komen herrie schoppen – met nauwelijks een echt verhaal in zicht. Van het trollen van interviewers met Marx Brothers-achtige routines tot het ontsnappen aan schreeuwende fans die bewegen als wespenzwermen, A Hard Day’s Night is minder Taylor Swift: The Eras Tour en meer French New Wave in zijn freewheelende ondeugendheid en vindingrijkheid.
17. The Birds (1963)
(Afbeelding credit: Universal Pictures)
Na Alfred Hitchcock hebben we zwermen vogels nooit meer op dezelfde manier gezien. In deze iconische horrorfilm uit 1963, gebaseerd op een kort verhaal uit 1952 van Daphne du Maurier en losjes geïnspireerd door een massale vogelaanval in het stadje Capitola, Californië twee jaar eerder, terroriseren agressieve vogels de bewoners van een slaperig stadje. Moordende kraaien en duiven klinken op papier misschien oubollig, maar een filmmakersgrootheid als Hitchcock levert een ijskoude horrorklassieker af waarin de natuur nog steeds haar dominantie behoudt, ongeacht de wetenschappelijke vooruitgang van de mensheid. Door het meesterlijke gebruik van stilte en het vroege vakmanschap op het gebied van speciale effecten, zal The Birds nooit ophouden met vluchten – en ons doen wegrennen voor dekking.
16. The Graduate (1967)
(Afbeelding credit: Embassy Pictures)
De romantische dramedy van Mike Nichols, een vroege onafhankelijke filmhit, ving de rusteloze geest van de jeugd van de jaren ’60 vakkundig in zijn verhaal over een afgestudeerde student (Dustin Hoffman) die een affaire begint met een oudere vrouw (Anne Bancroft) terwijl hij verliefd wordt op haar dochter Elaine (Katharine Ross). Het onvergetelijke einde, waarin de twee tortelduifjes langzaam de verpletterende omvang van hun daden beseffen, was een geniale zet van Nichols. Door zijn acteurs simpelweg niet te vertellen wat ze moeten doen nadat ze in de bus zijn gestapt, weerspiegelt hun fysieke vermoeidheid de geestelijke ambivalentie. Als zowel Hoffman als Ross stoppen met glimlachen tijdens een verbijsterend lange take, onthullen hun vermoeide uitdrukkingen de onzekerheid van hun personages of liefde sterk genoeg is om te blijven duren.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Cool Hand Luke van regisseur Stuart Rosenberg is een van de vele iconische Amerikaanse films die tijdens de Vietnamoorlog voor de tegencultuur stond. Paul Newman speelt de hoofdrol in deze film als een gevangene uit Florida die weigert zich door zijn ketenen in bedwang te laten houden. De film is geschreven door Donn Pearce, wiens eigen criminele achtergrond en twee jaar in de kettingbendes van het Florida Department of Corrections zowel zijn roman als de film inspireerden. Cool Hand Luke is inspirerend en opzwepend en is praktisch een instructievideo over hoe je je kalmte kunt bewaren en iedereen te slim af kunt zijn op een vijandige plek die je dood wil zien neervallen.
14. The Good, the Bad and the Ugly (1966)
(Afbeelding credit: MGM)
Sergio Leone was in de jaren 60 bezig met het definiëren van Westerns van Italiaanse makelij met zijn Dollars Trilogie, die de nomadische heldendaden van de Man zonder Naam (Clint Eastwood) volgt. In de laatste film na A Fistful of Dollars (1964) en For a Few Dollars More (1965) volgt Leone drie revolverhelden – gespeeld door Eastwood, Eli Wallach en Lee Van Cleef – die tijdens de Amerikaanse Burgeroorlog op zoek gaan naar begraven goud van de Confederatie. Hoewel de meningen uiteenlopen over welke van de drie films de beste is, is The Good, the Bad and the Ugly gewoonweg te episch om te negeren en blijft het misschien wel de meest emblematische van alle spaghettiwesterns. Met zijn gedenkwaardige cinematografie en opera-geweld hebben actiefilmmakers zich decennialang laten inspireren door Leone’s blijvende meesterwerk.
13. Rosemary’s Baby (1968)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Het is een schrale troost dat je nooit het gezicht van de baby ziet. In Roman Polanski’s psychologische horrorfilm speelt Mia Farrow een jonge vrouw in Manhattan die vermoedt dat haar buren haar als doelwit zien om iets onheiligs ter wereld te brengen. Polanski’s film – met ook John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans en Charles Grodin in zijn filmdebuut – is een aangrijpende en ultradonkere thriller over het verlies van zeggenschap van een vrouw (ironisch voor Polanski) en hoe de opmars van de 20e-eeuwse maatschappij naar secularisme de ondergang van de mensheid kan worden. Rosemary’s Baby was net op tijd, want de hysterie over satanische sektes zou al snel een overheersende plaats innemen in de krantenkoppen van de jaren 1970 en 1980.
12. Lawrence of Arabia (1962)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
Kan iemands leven zo episch zijn dat het een van de grootste avonturenfilms ooit wordt? De 20e-eeuwse Britse archeoloog, legerofficier en schrijver T. E. Lawrence leefde blijkbaar zo’n leven dat David Lean’s Lawrence of Arabia werd. Met Peter O’Toole in de hoofdrol, die op dat moment een onbekende acteur was maar door Lean geliefd werd (van zijn film The Day They Robbed the Bank of England uit 1960), volgt de film Lawrence door het Ottomaanse Rijk tijdens de Eerste Wereldoorlog. De film zelf verkent Lawrence’s moeilijkheid om zich met geweld te verzoenen en zijn verdeelde loyaliteit tussen Groot-Brittannië en zijn pas ontdekte bondgenoten binnen de Arabische strijdkrachten. Lawrence of Arabia is een spectaculaire kaskraker in een tijdperk dat er niet veel van maakte, en galoppeert met een woestheid en een gevoel van avontuur dat pas bijna 20 jaar later in Raiders of the Lost Ark te zien zal zijn.
11. Hoog en laag (1963)
(Afbeelding credit: Toho)
Akira Kurosawa staat niet voor niets bekend als regisseur van eeuwigdurende samoerai-epos. Maar zelfs als hij zijn eigen zigzagt, behoudt de beroemde artiest al zijn beste eigenschappen, zoals zijn theatrale formaliteit en wilskrachtige personages die het opnemen tegen onderdrukkende krachten. Enter: High and Low, Kurosawa’s stuwende, fijn gecomponeerde misdaaddrama uit 1963. Gebaseerd op de roman King’s Ransom van Ed McBain, hoort een rijke directeur (Toshiro Mifune) dat zijn zoon is ontvoerd en wordt vastgehouden voor losgeld, wat het begin is van een zweterig, vooruitstrevend plot waarin tijd van essentieel belang is. Kurosawa ruilt het samoerai-harnas in voor nette overhemden en stropdassen en herkauwt de naoorlogse heropleving van Japan. Om hem heen zag de regisseur de Japanse maatschappij snel evolueren naar moderniteit. Maar tegen welke prijs?
10. From Russia With Love (1963)
(Afbeelding credit: United Artists)
Een James Bond-vervolg dat zelfs zijn o zo belangrijke voorganger Dr. No uit het water blaast. Regisseur Terence Young en acteur Sean Connery komen opnieuw samen voor From Russia With Love, dit keer om het verhaal te vertellen van Bond die een mooie Sovjet-overloper (Daniela Bianchi) helpt te ontsnappen uit de klauwen van SPECTRE. Met de grootste spion van MI6 ondergedompeld in de spanningen van de Koude Oorlog, blijft From Russia With Love een van de beste Bond-sequels ooit, omdat het tegelijkertijd een gruizige, sexy en spannende kaskraker is. Het helpt ook dat de film wordt ondersteund door een van de beste Bond-songs aller tijden, gezongen door crooner Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Afbeelding credit: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard bracht de jaren 1960 door met het bevestigen van zijn plaats in de Franse New Wave door middel van films als Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) en Band of Outsiders (1964). Maar Godards maximale vorm kwam in 1965 met Pierrot le Fou, een levendige en kleurrijke experimentele roadmovie over een man (Jean-Paul Belmondo) die er met de babysitter en ex-geliefde van zijn kind (Anna Karina) vandoor gaat om hun bougiewereld achter zich te laten. Pierrot le Fou, een pop-artmonument vol sensualiteit, gedoemde romantiek en de brokstukken van een afgebroken vierde muur, bevestigde niet alleen Godards auteursstatus, maar zette deze ook in goud.
8. Breakfast at Tiffany’s (1961)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn verstevigde niet alleen haar sterrendom met Breakfast at Tiffany’s van regisseur Blake Edwards, ze garandeerde haar onsterfelijkheid. In deze gigantische romantische komedie speelt Hepburn Holly Golightly, een excentrieke socialite die verliefd wordt op een worstelende schrijver (George Peppard). Afgezien van Mickey Rooney’s racistische vertolking van een Japanse buurman, is Breakfast at Tiffany’s bruisend en chic, een film die de liefde in uw hart in modieuze mode hult. Hepburns look als Holly blijft alomtegenwoordig als een symbool van tijdloze schoonheid, en het is moeilijk te betwisten waarom. Eén blik van haar in de cameralens van Edwards en we staan allemaal met ons hoofd in de dure hakken.
7. La Dolce Vita (1960)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
De naam van Frederico Fellini staat synoniem voor de fijne Italiaanse cinema, en La Dolce Vita is een van zijn meest blijvende hits. De film volgt een beroemdheidsjournalist (gespeeld door een ultracoole Marcello Mastroianni, die in elk beeld een en al branie uitstraalt) die een koortsachtige week door Rome trekt – een oude stad die overspoeld wordt door glitter en glamour – op zoek naar iets puurs. La Dolce Vita, met een unieke plotstructuur en scherpe humor, geniet van de decadentie van een welvarende naoorlogse beschaving en voorspelt tegelijkertijd de vergiftiging van de maatschappij door de giftigheid van roem.
6. The Wild Bunch (1969)
(Afbeelding credit: Warner Bros.)
Sam Peckinpah gaf Westerns zijn laatste hoera met The Wild Bunch, een film over ouder wordende outlaws die worstelen om zich aan te passen aan de moderniserende 20e eeuw en glorieus ten onder gaan. Hoewel Westerns niet helemaal uitgestorven zijn, was het genre tegen de jaren 1960 ver uit de gratie geraakt en heeft het die populariteit sindsdien nooit meer teruggewonnen. Hierdoor voelt het bombardement van buskruitknallen en kogelinslagen die Peckinpah’s explosieve finale in Agua Verde onderstrepen, aan als een vuurwerk ter herdenking van de ontelbare helden met witte hoeden en schurken met zwarte hoeden die het witte doek sinds het begin van Hollywood hebben opgeluisterd. Na The Wild Bunch reden westerns de zonsondergang tegemoet, en ze hebben nooit meer omgekeken.
5. 8 ½ (1963)
(Afbeelding credit: Columbia Pictures)
De Italiaanse filmmaker Frederico Fellini richtte zijn camera een beetje op zichzelf in zijn film over de strijd om auteurschap en individualiteit te behouden op een gebied dat onderhevig is aan openbaar toezicht. In Fellini’s achtste film (vandaar de titel) speelt acteur Marcello Mastroianni de hoofdrol van Guido Anselmi, een regisseur die wanhopig probeert zijn identiteit te behouden tijdens het rigoureuze, zelfverbrandende proces van het maken van een sciencefictionfilm met een groot budget. Ondertussen denkt Guido na over de verschillende vrouwen in zijn leven. 8 ½ is een surrealistische meta-zwarte komedie die de grenzen van kayfabe doet vervagen en wordt terecht beschouwd als een van de beste films over het maken van films ooit.
4. West Side Story (1961)
(Afbeelding credit: United Artists)
Hoe los je een probleem als Maria op? In deze gemoderniseerde Romeo & Julia die zich afspeelt in de raciale straatbendes van New York City, spelen Natalie Wood en Richard Beymer geliefden die verliefd worden terwijl ze tegenover elkaar staan in een turfoorlog. De originele versie uit 1961 – geregisseerd door Robert Wise en Jerome Robbins – is een kanjer van een muzikale romance en behandelt het scherm op gedurfde wijze als een podium, met complexe choreografie, levendige kleurenpaletten en dynamische camerabewegingen die van invloed waren op mensen als Michael Bay (die de film prees in een interview met de New York Times in 2001) en Steven Spielberg, die in 2021 zijn eigen remake maakte. Als je naar West Side Story kijkt, ben je een fan voor het leven, van je eerste sigaret tot je laatste sterfdag.
3. Eyes Without a Face (1960)
(Afbeelding credit: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Hoewel Georges Franju’s baanbrekende horrorfilm Eyes Without a Face uit 1960 dateert van vóór de meeste slasherfilms, bepaalden het schrijnende verhaal en het wrede geweld de normen die later werden gehandhaafd door geniemeesters als John Carpenter en Wes Craven. Toch is Eyes Without a Face anders dan alle andere horrorfilms die u ooit hebt gezien, omdat het zowel poëtisch als gruwelijk is. De film volgt een gerenommeerde plastisch chirurg (gespeeld door Pierre Brasseur) die mooie jonge vrouwen in de val lokt om hun vlees te snijden en de tragische misvorming van zijn dochter te herstellen. Édith Scob speelt ook de rol van de dochter van de dokter, die een spookachtig wit masker draagt dat aanvoelt als een voorbode van toekomstige iconen als Michael Myers en Jason Voorhees. Het prachtige en het gruwelijke zijn hier onwaarschijnlijke celgenoten.
2. 2001: A Space Odyssey (1968)
(Afbeelding credit: MGM)
Geen enkele film definieert de jaren ’60 en voelt toch zo buiten de tijd als Stanley Kubrick’s 2001: A Space Odyssey. Na twee megaklassiekers, Lolita (1962) en Dr. Strangelove (1964), staarde Kubrick naar de sterren met een majestueus sciencefictionepos dat het korte verhaal “The Sentinel” van Arthur C. Clarke adapteert. De reikwijdte van 2001 is enorm, omdat het een film is die letterlijk eonen overspant van de oorsprong van de mens als primaat tot, wat Kubrick voorspelt, onze geavanceerdheid als een ruimtevarende soort. Maar hoe ver de vooruitgang ons ook brengt, de mens blijft onderhevig aan onverklaarbaar geweld. En dus heeft de kunstmatige intelligentie HAL 9000 tijdens de reis van de Discovery One naar Jupiter een aantal eigen ideeën over overleven die zijn meesters van de vleeszakken misschien niet zouden willen. 2001: A Space Odyssey is prachtig gecomponeerd en onheilspellend in een buitenwereldse zin, en gaf de cinema een sprong voorwaarts met slechts een vleugje zwarte monoliet.
2001: A Space Odyssey£7.99 bij Amazon£8.19 bij Hit£9.69 bij Hive Books
1. Psycho (1960)
(Afbeelding credit: Paramount Pictures)
Met de mooie Janet Leigh, een fles chocoladesiroop van Hershey’s en een pulserend totaalspel van Bernard Herrmann smeedde Alfred Hitchcock een filmisch meesterwerk dat diep in onze psyche keek en blootlegde wat ons allemaal beangstigde. Overladen met rode haken, zwartkomische ironie en een dichte symboliek die een lezing over Freudiaanse psychoanalyse zou kunnen vullen, blijft Hitchcocks meest herkenbare film bestaan als een imposante reus die de aanvaardbaarheid van commerciële cinema voor smaak herdefinieerde en de conventies van de moderne horrorfilm vernieuwde. Het verhaal, dat gebaseerd is op het gelijknamige boek van Robert Bloch, speelt zich voornamelijk af in het griezelige Bates Motel, dat wordt geleid door de excentrieke eigenaar Norman Bates (Anthony Perkins) die een duister geheim verbergt. Hoewel Psycho begrijpelijkerwijs een franchise heeft voortgebracht die de populaire tv-serie Bates Motel omvat, staat Psycho krachtig op zichzelf als een film die alles veranderde.