De 32 beste films uit de jaren ’50

In het eerste decennium na de Tweede Wereldoorlog had de wereldwijde filmindustrie geen stap gemist. Maar welke zijn eigenlijk de beste?

In het midden van de 20e eeuw ontwikkelde de filmkunst zich door de verfijning van de commerciële studiostijl. Tegelijkertijd brachten vooruitstrevende experimenten, zoals elektronische muziekpartituren tot de wijdverspreide toepassing van Technicolor en breedbeeldpanorama, het medium naar een hoger niveau. Terwijl dat allemaal gebeurde, raakten filmsterren er steeds meer aan gewend om de enige reden te zijn waarom het publiek überhaupt naar films ging kijken.

De arena van de cinema breidde zich in de jaren 1950 ook uit. Terwijl in Amerika gemaakte Hollywoodfilms cultureel en commercieel domineerden, begonnen films uit andere delen van de wereld – Japan, Zweden, Italië, Frankrijk en elders – hun intrede te doen.

Het overheersende beeld van de jaren 1950 mag dan wel van gezonde Amerikaanse waarden zijn, de beste films uit die jaren waren dat allesbehalve. Te midden van communistische heksenjachten, het begin van de Koude Oorlog en de wreedheden die tijdens de Tweede Wereldoorlog werden begaan en doorstaan, zijn de beste films uit de jaren 1950 doordrenkt van paranoia, psychologische obsessie en dwaze dapperheid tegen onoverkomelijke kansen. Maar er werd ook gezongen en gedanst.

Om aan te tonen hoe sfeervol divers de jaren 1950 eigenlijk waren, vindt u hier 32 van de beste films uit dat decennium.

32. De Tien Geboden (1956)

Charlton Heston houdt als Mozes een stok vast voor onweerswolken in The Ten Commandments

(Afbeelding credit: Paramount)

Cecil B. DeMille’s laatste film is misschien wel zijn meesterwerk, een Hollywood blockbuster van letterlijk Bijbelse proporties. Gebaseerd op meerdere bronteksten, waaronder Doroth Clarke Wilson’s Prince of Egypt, J. H. Ingraham’s Pillar of Fire en niet te vergeten de Bijbel, volgt The Ten Commandments Mozes (Chartlon Heston) vanaf zijn geboorte en adoptie in Egypte tot aan zijn aanvaarding van Gods regels bovenop de berg Sinaï. The Ten Commandments is meer dan alleen een rijkelijk vormgegeven epische biopic en vertelt ook over Mozes’ rivaliteit met Ramses II (Yul Brynner). Wat uw overtuigingen ook zijn, u kunt de spectaculaire grootsheid niet ontkennen. Zelfs nu nog is The Ten Commandments datgene waar alle peperdure Hollywood-kaskrakers naar zouden moeten streven.

31. Assepoester (1950)

Assepoester draagt haar iconische witte jurk

(Afbeelding credit: Disney)

Na de release van Sneeuwwitje en de Zeven Dwergen in 1937, spendeerde Disney de jaren ’40 aan het vergaren van macht en invloed als animatiestudio met kassuccessen als Pinokkio, Dumbo en Bambi. In 1950 trapte Disney het decennium af met Assepoester, een adembenemende muzikale fantasie over een overwerkte wees die de mooiste van het bal werd, mede geregisseerd door Wilfred Jackson, Hamilton Luske en Clyde Geronimi. Assepoester is waarschijnlijk de voorloper van alles wat Disney en zijn specifieke stijl van mythen maken definieert, en staat hoog in zijn universele verhaal van magie, ware liefde en het hebben van de juiste maat voeten. Als je er nu naar kijkt, kun je niet anders dan “Bibiddi-Bobbidi-Boo!” zingen.

30. Forbidden Planet (1956)

Binnen in een sci-fi ruimteschip in de film Forbidden Planet

(Afbeelding credit: MGM)

“Men kan het gezicht van de gorgon niet zien en leven!” Voordat Star Wars de taal van de sci-fi film voorgoed veranderde, was er Forbidden Planet. Geregisseerd door Fred M. Wilcox en met Walter Pidgeon, Anne Francis en Leslie Nielsen in de hoofdrollen, is Forbidden Planet zowel een glorieuze pastiche van klassieke pulp-sci-fi als een echte vernieuwer, van de baanbrekende volledig elektronische muziekscore tot de introductie van concepten als door de mens gemaakt sneller-dan-licht reizen. (Het hoofdpersonage, Robby the Robot, is zelf ook een Hollywood-legende). Het verhaal gaat over een militaire kruiser die op pad wordt gestuurd om de verblijfplaats van vermiste kolonisten te onderzoeken, een uitgangspunt dat in de vele decennia daarna door vele anderen in het genre is herhaald.

Forbidden Planet£7.99 bij Amazon£21.36 bij Amazon

29. Het Zevende Zegel (1957)

Een ridder en de Dood spelen schaak op een afgelegen strand in The Seventh Seal

(Afbeelding credit: SF Studios)

Sinds de release in 1957 blijft The Seventh Seal van Ingmar Bergman de beste film aller tijden van de regisseur en de film die verantwoordelijk is voor het verankeren van de plaats van Zweden in de arena van de wereldcinema. Het is een historische fantasie die zich afspeelt tijdens de Zwarte Dood en volgt een nobele ridder (Max von Sydow) die in een schaakspel speelt tegen de gemaskerde, sinistere Dood (Bengt Ekerot). Om hen heen is een ensemble van personages die handelen in moralistische taferelen die aanvoelen als preken van predikanten. In een tijd die onderstreept wordt door verschrikkingen als de Holocaust en atoombommen, definieert Bergmans film volledig zijn tijdperk, maar voelt toch tijdloos in zijn verlatenheid en melancholie.

28. Sunset Boulevard (1950)

Gloria Swanson, in make-up en jurk, loopt voor politiecamera's in Sunset Boulevard

(Afbeeldingskrediet: Paramount)

Hollywood is stapelverliefd op verhalen over zichzelf, zelfs de smerige. In 1950 bevond de filmindustrie zich in een nieuw tijdperk waarin “talkies” de norm waren en filmsterren meer macht en culturele invloed kregen. Enter: Sunset Boulevard van Billy Wilder. Gloria Swanson speelt de rol van Norma Desmond, een voormalige stomme filmster die een comeback probeert te maken met de hulp van de worstelende scenarioschrijver Joe (William Holden). Sunset Boulevard is een somber waarschuwend verhaal over de giftigheid en vluchtigheid van roem en is schrijnend als een stuk donkere Hollywood zelfreflectie. Het is een geschikte double-bill met films als Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood en Babylon.

27. Les Diaboliques (1955)

Een vrouw verdrinkt haar man in bad in de horror thriller Les Diaboliques

(Afbeelding credit: CinÉdis)

In deze Franstalige psychologische horror-thriller van regisseur Henri-Geoorges Clouzot werken de vrouw en de bazin van een wrede schooldirecteur samen om hem te vermoorden. Ze worden alleen achtervolgd door hun daden wanneer zijn lijk vermist raakt. Les Diaboliques (in de V.S. uitgebracht als Diabolique) was niet per se de uitvinder van het horrorgenre, maar de invloed ervan spreekt voor zich; Psycho-auteur Robert Bloch noemde deze film in een interview uit 1983 als favoriet aller tijden. Les Diaboliques zit boordevol spanning en paranoia, en moet worden erkend als een moordmysterie dat vlekkeloos wordt uitgevoerd zonder dat er ook maar een druppel bloed vloeit.

26. Roman Holiday (1953)

Audrey Hepburn rijdt op een scooter in Roman Holiday

(Afbeelding credit: Paramount)

Audrey Hepburn en Gregory Peck schitteren samen in William Wylers luchtige maar bitterzoete romantische komedie. In Roman Holiday speelt Hepburn een Europese prinses die door Rome zwerft en in het gezelschap komt van een charmante Amerikaanse journalist (Peck). Samen genieten de twee van een onverwacht romantische stoeipartij door de oude stad, waarbij ze zichzelf toestaan om te zwelgen in kortstondige extase voordat ze hun individuele leven weer oppakken. In de film zegt een huilende Hepburn: “Ik weet niet hoe ik afscheid moet nemen.” De blijvende aantrekkingskracht van Roman Holiday al die jaren later laat zien dat het publiek dat ook niet weet.

Lees verder  Wie zijn de Slangen -samenleving? The Potential Captain America: New World Order Wirdains Legde uit

25. Shane (1953)

Alan Ladd draagt een cowboyhoed in de film Shane

(Afbeeldingskrediet: Paramount)

Voordat superhelden de filmwereld beheersten, waren er de cowboy revolverhelden van de Westerns. Het genre bereikte zijn hoogtepunt in de jaren 1950, waarin één film boven alle andere uittorende: Shane, een prachtig geregisseerd panorama-epos van George Stevens. Shane is gebaseerd op het boek van Jack Schaefer en gaat over een ervaren revolverheld (Alan Ladd) die wanhopig zijn gewelddadige verleden achter zich wil laten. Nadat hij zich heeft gevestigd bij een boerenfamilie in Wyoming, wordt Shane gedwongen om met “pensioen” te gaan en het op te nemen tegen roofzuchtige schurken en meedogenloze baronnen. Uiteindelijk is Shane’s rit naar de zonsondergang, terwijl een kind om hem schreeuwt om “terug te komen”, onbedoeld een voorbode van de dreigende verdwijning van Westerns als onze ideale voorstelling van heldendom.

24. Some Like It Hot (1959)

Marilyn Monroe en Tony Curtis ontsnappen op een boot in Some Like It Hot

(Afbeelding credit: United Artists)

Een van Marilyn Monroe’s beste films was ook een van haar laatste. In Billy Wilder’s screwball misdaadkomedie Some Like It Hot spelen Tony Curtis en Jack Lemmon jazzmuzikanten uit het Droogleggingtijdperk die aan gangsters uit Chicago ontsnappen door zich als dames te vermommen en zich bij een rondreizende vrouwelijke band aan te sluiten die op weg is naar Miami. De twee vallen uiteindelijk voor de zangeres en ukelele-speelster van de band, Sugar (Monroe) en beginnen om haar genegenheid te wedijveren terwijl ze hun valse identiteiten behouden. Ook al is “niemand perfect”, Some Like It Hot blijft een perfecte komedie.

23. Singin’ in the Rain (1952)

De cast van Singin' in the Rain treedt op

(Afbeelding credit: MGM)

Singin’ in the Rain, geregisseerd en gechoreografeerd door Gene Kelly en Stanley Donen, is veel meer dan de eeuwige beelden van open paraplu’s, gele regenjassen en Debbie Reynolds die haar weg naar glorie danst. Het speelt zich af in 1927 en het einde van het tijdperk van de stomme film is in zicht wanneer filmster Don Lockwood (Kelly), zijn pianospelende beste vriend Cosmo (Donald O’Connor) en de aspirant-actrice Kathy Selden (Reynolds) samenwerken aan een nieuw project om voordeel te halen uit de opwindende nieuwe technologie van gesynchroniseerd geluid bij bewegende beelden. Hilarisch en kleurrijk, Singin’ in the Rain geniet van de zonnigere kant van Hollywoods altijd voorwaartse evolutie die zo vaak dromen verplettert.

22. Gojira (1954)

De originele Godzilla nadert elektrische draden in Gojira

(Afbeelding credit: Toho)

Meer dan tien jaar nadat Japan aan het einde stond van het nucleaire bombardement dat een einde maakte aan de Tweede Wereldoorlog, dook er een onheilig monster op uit de zee om de mensheid te herinneren aan haar op handen zijnde vernietiging. De originele Japanse incarnatie Gojira van Ishiro Honda staat in de westerse wereld bekend als Godzilla en is een torenhoog meesterwerk van monsterhorror waarin de gruwelijkheden van mens en beest niet van elkaar te onderscheiden zijn. Hoewel “Godzilla” sindsdien een stripheld is geworden aan beide zijden van de Stille Oceaan, hebben remakes en reboots in de 21e eeuw geprobeerd om de oorspronkelijke schaduwen van de Big G te herstellen als een Lovecraft-eske nachtmerrie. Sommigen zijn daarin geslaagd. Maar als ze falen, is er altijd nog Gojira.

21. The Quiet Man (1952)

John Wayne en Maureen O'Hara wandelen op een weelderig groen Iers platteland in jaren 20 kleding in The Quiet Man

(Afbeelding credit: Republic Pictures)

Hoewel John Wayne vooral bekend was als held van Hollywood Westerns, geeft regisseur John Ford het publiek een andere smaak van het icoon in zijn weelderige romkom The Quiet Man, gebaseerd op een kort verhaal uit de Saturday Evening Post. John Wayne speelt zich af op het Ierse platteland in de jaren 1920 en is Trooper Thorn, een in Ierland geboren Amerikaanse bokser die de oude boerderij van zijn familie wil kopen als hij verliefd wordt op de vurige plaatselijke Mary Kate (Maureen O’Hara). Ford’s film is gefilmd in levendig Technicolor en voelt echt levendig aan met zijn adembenemende beelden van het Ierse platteland, om nog maar te zwijgen van O’Hara’s prachtige rode haar dat afsteekt tegen het overvloedige groen. Hoewel de beschrijving van de rolpatronen van mannen en vrouwen sterk verouderd aanvoelt, kunt u niet anders dan genieten van het landschap dat Ford vastlegt.

20. Rebel Without a Cause (1955)

James Dean in zijn iconische rode jasje in Rebel Without a Cause

(Afbeelding credit: Warner Bros.)

De onsterfelijke hartenbreker schittert in Nicholas Ray’s verbluffende coming-of-age drama dat de lelijkheid onthult die in de naoorlogse tieners van Amerika borrelt. Dean speelt zich af in het hedendaagse Los Angeles en schittert als Jim Stark, een tiener met problemen die klem zit tussen kibbelende ouders. Hij begint een wankele romance met een ander meisje van zijn middelbare school, Judy (Natalie Wood), die ook problemen thuis heeft en met een hard publiek omgaat. James Dean stierf in september 1955 op 24-jarige leeftijd aan de gevolgen van een auto-ongeluk; Rebel Without a Cause werd slechts een paar weken na zijn overlijden postuum uitgebracht. Maar de onherroepelijke impact van de film heeft Dean’s status voor het nageslacht verstevigd en ervoor gezorgd dat elke generatie een stukje van zichzelf in James Dean’s sympathieke ogen kan zien.

19. Night and the City (1950)

Twee noir figuren sluiten een deal in een bar in Night and the City

(Afbeelding credit: 20th Century Studios)

Uit angst voor zijn eigen plaatsing op de zwarte lijst tijdens het McCarthyisme ontsnapte filmmaker Jules Dassin naar Londen en maakte een film die bol stond van achterdocht, wanhoop en wantrouwen. In Night and the City speelt Richard Widmark Harry Fabian, een zelfdestructieve Amerikaanse oplichter die betrokken raakt bij de actie van het Londense professionele worstelcircuit. Hoewel Night and the City vaak over het hoofd wordt gezien in vergelijking met andere noir-klassiekers, slaat het als een bom in een louche thriller die de Britse pulpfictie belichaamt, met steegjes en barretjes vol amorele personages die alleen trouw zijn aan zichzelf. Hoewel er twee verschillende versies van de film bestaan met verschillende eindes – één voor het Britse publiek en één voor de Amerikanen – staat Dassin erop dat de cynische Amerikaanse versie dichter bij zijn visie ligt.

18. Tokyo Story (1953)

Twee Japanse ouderen genieten van thee in hun huis in Tokyo Story

(Afbeelding credit: Shochiku)

Akira Kurosawa groeide in de jaren 1950 uit tot één van Japans meest gevierde auteurs. Maar een van zijn grootste tijdgenoten was Yasujiro Ozu, wiens modernistische, minimalistische stijl in schril contrast stond met Kurosawa’s grootse opera. In 1953 leidde Ozu wat algemeen als een van zijn meesterwerken wordt beschouwd: Tokyo Story, over een gepensioneerd echtpaar dat naar Tokio reist om hun vier nog levende volwassen kinderen te bezoeken. Ozu’s film, die een traag tempo aanhoudt en een camera die bijna nooit beweegt, verkent de onmiddellijke invloed van de Westerse wereld op Japan in de jaren na de Tweede Wereldoorlog en de universele vervreemding van ouders van hun opgroeiende kroost. Hoewel het geen komedie is, onthult de zachte humor de schitterende schoonheid van het alledaagse leven van de lagere middenklasse.

Lees verder  De regisseur van The Royal Hotel, Kitty Green, vertelt waarom haar nieuwe thriller met Julia Garner de regels van de horrorfilm zal breken.

17. Horror of Dracula (1958)

Christopher Lee als Dracula in Horror of Dracula

(Afbeelding credit: Universal)

Jaren nadat de monsters van Universal zich in de schaduw hadden teruggetrokken, luidde de Britse studio Hammer zijn eigen tijdperk in, te beginnen met Dracula (in de VS bekend als Horror of Dracula) met Sir Christopher Lee als de iconische vampier. In tegenstelling tot Bela Lugosi’s iconische maar cartooneske optreden als de Transsylvaanse graaf, belichaamt Lee een knappere versie die de erotiek die inherent is aan vampieren en hun neiging tot nekbijten en bloed aftappen aan het licht brengt. (Trouwens, Lee’s versie introduceerde ook dubbele hoektanden, die Lugosi in zijn film uit 1931 niet had). Lee speelde Dracula daarna nog in veel meer films, maar zijn debuut uit 1958 is nog steeds de beste.

16. From Here to Eternity (1953)

Montgomery Clift en Donna Reed praten in een overvolle bar in From Here to Eternity

(Afbeelding credit: Columbia)

In Fred Zinnemann’s romantische en sombere epos uit 1953 ontmoeten Amerikaanse soldaten die gestationeerd zijn in Hawaï hun lot in de dagen voorafgaand aan de aanvallen op Pearl Harbour. Hoewel de cast overladen is met sterren zoals Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr en Donna Reed, is het Montgomery Clift die de film verankert als soldaat Robert E. Lee “Prew” Prewitt, een toegewijd soldaat en getalenteerde bugel speler die weigert in te gaan op de wensen van zijn kapitein om hem bokskampioenschappen te bezorgen. Alle aanwezigen, stuk voor stuk iconen uit het laatste deel van Hollywoods Gouden Eeuw, zijn in topvorm als gedoemde mensen op weg naar het moment waarop hun leven voorgoed verandert. Montgomery Clift was beroemd om zijn weerstand tegen het spelen van veel rollen, maar From Here to Eternity is zonder twijfel één van zijn beste rollen.

15. Throne of Blood (1957)

Twee samoerai wandelen door een eng bos in Throne of Blood

(Afbeelding credit: Toho)

Akira Kurosawa’s meeslepende hervertelling van Shakespeare’s Macbeth heeft de onuitwisbare Toshiro Mifune in de rol van een samurai analoog aan Macbeth, die van een boze bosgeest zijn aanstaande toekomst als kasteelheer leert kennen. Throne of Blood is een culturele samensmelting van Shakespeariaanse motieven met Japanse Noh theatertechniek en is betoverend als een met mist gevulde nachtmerrie waar macht gemakkelijk komt, maar de kracht om eraan vast te houden een hoge prijs heeft. Deels politieke thriller, deels horror-fantasy, Throne of Blood is ontzagwekkend en verdient onsterfelijkheid in een hagelbui van pijlen.

14. 12 Angry Men (1954)

Juryleden in een rechtszaal beraadslagen in 12 Angry Men

(Afbeelding credit: United Artists)

Praktisch elke generatie krijgt zijn versie van 12 Angry Men. Maar in 1957 bracht regisseur Sidney Lumet een onvergetelijke productie op het scherm met een cast van onder andere Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman en Henry Fonda. Gebaseerd op het toneelstuk van Reginald Rose uit 1954, suddert 12 Angry Men in de meningsverschillen tussen een jury die koortsachtig beraadslaagt over de veroordeling of vrijspraak van een tiener die van moord wordt beschuldigd. Vrijwel alle latere rechtbankdrama’s hebben hun voorbeeld ontleend aan 12 Angry Men, dat al zijn drama in een enkele jurykamer stopt, maar nooit opgesloten aanvoelt.

13. Ben-Hur (1959)

Charlton Heston kijkt in de ogen van Jezus Christus in Ben-Hur

(Afbeelding credit: MGM)

De Tien Geboden was niet de enige religieuze kaskraker van de jaren 1950. In 1959 schitterde Charlton Heston in de titelrol van William Wylers bekroonde epos van onmetelijke omvang. Letterlijk honderden vakmensen werkten achter de schermen, waaronder 100 kledingfabrikanten, 200 artiesten, 10.000 figuranten plus zo’n 200 kamelen en 2.500 paarden, die allemaal nodig waren om het toen nieuwe breedbeeldformaat tot het uiterste te drijven. Maar waar Ben-Hur op onverklaarbare wijze in slaagt, is hoe het nog steeds het gerichte verhaal vertelt van Judah Ben-Hur, de held uit de roman van Lew Wallace uit 1880 over een Joodse prins die door de Romeinen tot slaaf wordt gemaakt en later de enige echte Jezus Christus ontmoet. Zelfs de peperdure sequels van de hedendaagse franchise komen niet in de buurt van de pure grootsheid van Ben-Hur.

12. A Streetcar Named Desire (1951)

Marlon Brando schreeuwt om "Stella" in A Streetcar Named Desire

(Afbeelding credit: Warner Bros.)

Gebaseerd op het Pulitzer-winnende toneelstuk van Tennesee Williams dat giftige relaties dramatiseert, heeft Elia Kazan’s verfilming Vivien Leigh, Kim Hunter en natuurlijk Marlon Brando in de hoofdrollen. Southern belle Blanche (Vivian Leigh) reist af van Mississippi om met haar zus in een afbrokkelend appartement in New Orleans te gaan wonen. Hoewel het helpt dat het materiaal waarop het gebaseerd is zelf een gerespecteerde klassieker is waarin de beste acteurs hun tanden in kunnen zetten, is Kazans filmversie een echte krachtpatser in hoe het enkele van de grootste acteurs die Hollywood ooit gezien heeft op hun allerbest vastlegt.

11. Paths of Glory (1957)

Kirk Douglas staat als kolonel uit de Eerste Wereldoorlog boven zijn bureau in Paths of Glory

(Image credit: United Artists)

In het gesprek over Stanley Kubrick wordt zijn oorlogsfilm Paths to Glory uit 1957 vaak over het hoofd gezien; zijn andere meesterwerken zoals 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket en Eyes Wide Shut krijgen meestal de meeste aandacht. Maar Kubrick toonde zijn ongewone maar scherpe vaardigheden als visuele meester in zijn vierde film. Paths of Glory speelt zich af in de Eerste Wereldoorlog in Frankrijk en heeft Kirk Douglas in de hoofdrol als een bevelvoerend officier die weigert door te gaan met wat in wezen een zelfmoordaanval is en vervolgens de beschuldigingen van lafheid tegen hem aanvecht in de krijgsraad. Kubrick was slechts 29 jaar oud toen hij Paths of Glory regisseerde, en de buzz rond zijn onberispelijke regie volgde hem nog jaren daarna, zelfs na zijn dood in 1999.

10. Hiroshima mon amour (1959)

Een Franse vrouw en Japanse man strelen in Hiroshima mon amour

(Afbeelding credit: Rialto Pictures)

Als een erotische droom een film zou kunnen zijn, dan zou hij eruit zien als Hiroshima mon amour. In deze coproductie tussen Frankrijk en Japan dompelt regisseur Alain Resnais het publiek abrupt onder in de intimiteit van een Japanse man (Eiji Okada) en een Franse vrouw (Emmanuelle Riva), hun lichamen bedekt met zweet en as. De film ontvouwt zich op niet-lineaire wijze en vertelt over de korte romance van deze twee vreemden in het naoorlogse Japan, dat geteisterd wordt door nucleaire verwoestingen. Dit onmogelijke liefdesverhaal en meditatie op internationale trauma’s hielp de French New Wave naar een wereldwijd publiek te katapulteren.

Lees verder  The Flash: 22 Easter Eggs and Cameeën die je misschien hebt gemist in de DC -film

9. War of the Worlds (1953)

Soldaten verbergen zich voor buitenaards vuur in War of the Worlds

(Afbeeldingskrediet: Paramount)

Gebaseerd op de roman van H.G. Wells uit 1898, ziet Byron Haskins filmversie uit 1953 het hedendaagse Zuid-Californië als de grens voor een invasie van marsmannetjes. Met de legendarische radio-uitzending van Orson Welles nog in het geheugen van het publiek bij de release, maakt War of the Worlds gebruik van cinema als visueel medium met het opmerkelijke contrast tussen de primitieve artillerie van het Amerikaanse leger en de gestroomlijnde, buitenaardse technologie van Mars. Vernieuwend als een feest van speciale effecten, maar onsterfelijk als een schrijnend verhaal dat waarschuwt dat mensen nooit te veilig kunnen zijn als de meest intelligente soort.

8. High Noon (1952)

Gary Cooper staat in een grensstadje in High Noon

(Afbeelding credit: United Artists)

De Western-klassieker High Noon, geregisseerd door Fred Zinneman, speelt zich af in real time en volgt een stadsmaarschalk (Gary Cooper) die moet kiezen tussen het alleen confronteren van een bende schurken of ontsnappen met zijn vrouw (Grace Kelly). Met zijn krachtige distillatie van Western-heldendom tot een enkele man tegen een kwaadaardige horde, hielp High Noon om Westerns opnieuw te verbeelden en nieuw leven in te blazen voor de komende jaren. Het zal niemand verbazen dat meerdere Amerikaanse presidenten hun bewondering voor High Noon hebben uitgesproken, waaronder Dwight Eisenhower, Ronald Reagan en Bill Clinton.

7. On the Waterfront (1954)

Marlon Brando en Eva Marie Saint staan in de kille buitenlucht in On the Waterfront

(Afbeeldingskrediet: Columbia)

Geïnspireerd door een serie Pulitzer-winnende artikelen van Malcolm Johnson voor de New York Sun, herenigt On the Waterfront regisseur Eliza Kazan met Marlon Brando in een aangrijpend drama over misdaad en corruptie aan de waterkant van Hoboken, New Jersey. Brando speelt Terry Malloy, een voormalig bokser die op verzoek van een maffiabaas opzettelijk een gevecht verprutst. Terry werkt nu als havenarbeider en is geschokt als hij gedwongen wordt te zwijgen nadat hij getuige is geweest van de moord op een collega-havenarbeider. On the Waterfront is een van de vele films uit het begin van de jaren ’50 die het verhaal gebruikten om het McCarthyisme te veroordelen, maar het verhaal vindt ook na die tijd nog weerklank als een portret van hulpeloosheid tegenover overweldigende kansen.

6. Seven Samurai (1954)

Een groep samoerai en een dorp begraven een van hen in Seven Samurai

(Afbeelding credit: Toho)

Akira Kurosawa’s epische klassieker over samoerai die zich verenigen om gratis een kwetsbaar dorp te verdedigen, inspireert en boeit zelfs na al die jaren nog. Met een ensemblecast onder leiding van Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi en Toshiro Mifune heeft Kurosawa’s verhaal zijn eigen subgenre voortgebracht van ruige mannen die zich verenigen voor een nobel doel in plaats van egoïstische bezigheden. Er zijn niet alleen directe remakes gemaakt, zoals The Magnificent Seven uit 1960 (waarin de film werd omgetoverd tot een cowboywestern), maar ook spirituele hommages in films als The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League en de hele Star Wars-franchise.

5. North by Northwest (1959)

Cary Grant rent uit een vliegtuig in de iconische scène uit North by Northwest

(Afbeelding credit: MGM)

Alfred Hitchcock sloot de jaren 1950 af met zijn spionagethriller North by Northwest, een blijvende reus van een film. De film, met Cary Grant en Eva Marie Saint in de hoofdrollen, volgt een onschuldige man (Cary Grant) die voor zijn leven door de Verenigde Staten rent voor mysterieuze agenten die denken dat hij staatsgeheimen smokkelt. In 1959 was Hitchcock al een gevierd artiest, maar met North by Northwest bevestigde hij zijn genialiteit in een film die zowel spannend als speels was.

4. Rear Window (1954)

Grace Kelly staat alleen in een appartement in Rear Window

(Afbeelding credit: Paramount)

In dit aangrijpende stadsmysterie vermoedt een fotograaf die herstellende is van een gebroken been (James Stewart) dat zijn overbuurman misschien iemand heeft vermoord. Met de hulp van zijn rusteloze socialistische vriendin (Grace Kelly) en zijn verpleegster (Thelma Ritter) gaat Stewart’s personage Jeff op zoek naar gerechtigheid zonder zijn verstand te verliezen. Zelfs in de moderne tijd, waarin onze sociale feeds volop gebruik maken van POV-films en onze smartphone-camera’s ons allemaal tot amateurfotografen hebben gemaakt, toont Hitchcocks film de dramatische kracht van een beperkt perspectief.

3. Umberto D. (1952)

Carlo Battisi houdt zijn hond vast in de straten van Italië in Umberto D.

(Afbeelding credit: Rialto Pictures)

In deze neorealistische klassieker van de Italiaanse filmmaker Vittorio De Sica doet een arme oudere man in Rome er alles aan om te overleven met zijn hond. De film was bij de release niet populair bij het Italiaanse publiek, aangezien Italië als geheel midden in het naoorlogse herstel zat en een zwakke man die op straat bedelt niet flatteus was voor het imago. Maar het publiek overal is Umberto D. gaan bewonderen als een hartverscheurend verhaal waarin vriendelijkheid is aangetast door de moderniteit. Umberto D. is een ijskoude klassieker van de wereldcinema en heeft heel weinig te bieden, maar heel veel te geven.

2. Kiss Me Deadly (1955)

Een vrouw nadert een man in een cabriolet in Kiss Me Deadly

(Afbeelding credit: United Artists)

Voor het geval iemand denkt dat de jaren ’50 netjes, welgemanierd en vol heilzame waarden waren, kijk dan eens naar de duisternis van Kiss Me Deadly. Robert Aldrichs verfilming van Mickey Sillane’s roman vertelt over een detective, Mike Hammer (Ralph Meeker) die een liftende vrouw (Maxine Cooper) oppikt, wat het begin is van een vreselijke, onvergetelijke nacht. Kiss Me Deadly werd geprezen als voorloper van de Franse New Wave en gezien als een metafoor voor de Koude Oorlog. Het heeft de meest gerespecteerde filmgiganten beïnvloed, waaronder Francois Truffaut, Jean-Luc Godard en Quentin Tarantino. Het is gewoon een torenhoog werk.

1. Vertigo

James Stewart's lichaam valt in een droom in Vertigo

(Afbeelding credit: Paramount)

Alfred Hitchock’s psychologische thriller Vertigo, uitgebracht in 1958, staat regelmatig op talloze best-of lijsten; in 2012 verdrong het Citizen Kane van de felbegeerde eerste plaats in The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Het wordt niet voor niets zo geprezen. James Stewart speelt de rol van John “Scottie” Ferguson, een gepensioneerde detective die zijn penning opgaf nadat hij acrofobie kreeg – hoogtevrees. Maar wanneer Scottie door een kennis wordt ingehuurd om hun vrouw Madeleine (Kim Novak) te volgen, moet Scottie zijn angsten onder ogen zien. Met zijn preoccupatie op psychologische obsessies, splitst Vertigo ternauwernood het verschil tussen opzwepend entertainment en cerebrale arthouse stijl, waarbij de twee soms vervagen op een manier die alleen Alfred Hitchcock ooit gekend heeft. Zelfs als u het niet de “beste film aller tijden” vindt, is het ongetwijfeld een van de beste van zijn decennium.

Frenk Rodriguez
Hallo, mijn naam is Frenk Rodriguez. Ik ben een ervaren schrijver met een sterk vermogen om duidelijk en effectief te communiceren via mijn schrijven. Ik heb een diepgaande kennis van de game-industrie, en ik blijf op de hoogte van de nieuwste trends en technologieën. Ik ben detailgericht en kan games nauwkeurig analyseren en evalueren, en ik benader mijn werk met objectiviteit en eerlijkheid. Ik breng ook een creatief en innovatief perspectief in mijn schrijven en analyseren, wat helpt om mijn gidsen en recensies boeiend en interessant te maken voor de lezers. Dankzij deze kwaliteiten ben ik een betrouwbare bron van informatie en inzichten in de game-industrie geworden.