(Afbeelding tegoed: 20th Century / Disney)
The French Dispatch van Wes Anderson (volledige titel: The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun) arriveert later dit jaar eindelijk in de bioscoop, en – als de trailer enige indicatie geeft – zal dit weer een prachtige oefening in filmmaken zijn van de veelgeprezen regisseur.
Na drie afzonderlijke verhaallijnen, concentreert The French Dispatch – Anderson’s eerste output sinds Isle of Dogs van 2018 – zich op een groep journalisten die werken voor een Amerikaanse krantenpost in een fictieve Franse stad. De cast bevat een mix van Anderson-favorieten en nieuwkomers: Bill Murray, Adrien Brody, LÉa Seydoux, Owen Wilson en Tilda Swinton-ster naast TimothÉe Chalamet, Benicio del Toro en Jeffrey Wright. De trailer heeft alle kenmerken die we verwachten van een Wes Anderson-film; heldere kleuren, platte lijnweergave en zorgvuldig gestileerde foto’s.
Natuurlijk zorgde het voor een paar oogrolletjes.
Terwijl de meeste filmfanaten dol zijn op het werk van Anderson, zijn zijn films al lang een gemakkelijk doelwit voor verstikkende cinefielen die willen laten zien hoeveel ze weten over cinema. Natuurlijk is alles zo hyper-specifiek als de eigenzinnige stijl van de regisseur zeker verdeeldheid – de kleuren variëren van rustgevend tot irritant; de dialoog is misschien grappig, maar sommige critici beweren dat het de mensheid mist. De ire Anderson provoceert echter minder over een specifieke film en meer over wat zijn filmografie schijnbaar vertegenwoordigt.
Genieten van de films van Wes Anderson is esthetische stenografie geworden voor een verouderd idee van een hipster: Urban Outfitters vinyl, filmfotografie, trieste jongensmisogynie. Sommige kritieken op de films van Anderson zijn volkomen legitiem – ze missen mensen van kleur in hoofdrollen, met Rolling Stone dat het “goedaardige Criterion-Collection kolonialisme” noemt met verwijzing naar Darjeeling Limited en Isle of Dogs. Deze terechte kritiek wordt echter zelden aangehaald door de eye-rollers.
Het vinden van irritante films van Wes Anderson is nauwelijks nieuw – zelfs positieve recensies werpen de huid rond als termen als “eigenzinnig”, “grillig” en “schreeuwerig”. Sinds zijn vroege carrière hebben veel critici beweerd dat achter het prachtige setontwerp en de perfecte opnamen deadpan-levering en 2D-personages liggen. Ze kunnen zich nauwelijks beklagen over zijn technische vaardigheden, maar ze kunnen vragen: is het menselijk? Inderdaad, een overzicht van The Life Aquatic verklaarde, “er is kostbaar weinig menselijkheid te zien”, terwijl een ander zei Anderson creëert, “te kostbare schilderijen bewoond door geëmasculeerde man-kinderen”.
(Afbeelding tegoed: 20e eeuw)
Het is niet alleen zo dat mensen de vlakheid vervelend vinden; bijna twee decennia geleden merkte academicus Jeffrey Sconce op dat mensen gewend waren aan traditioneel filmmaken Anderson’s “verhalende blancoheid” verontrustend vinden, waardoor hij naast Spike Jonze werd geplaatst als cynisch en pessimistisch. Anderson neemt afstand, zet een morele houding niet om, waardoor kijkers zelf een beslissing kunnen nemen. Frequente criticus Kenneth Turan is zelfs zo ver gegaan om dergelijke films ‘moreel onverantwoordelijk’ te noemen.
Zoals filmcriticus David Ehrlich zei: “Klagen dat Wes Anderson nog een film van Wes Anderson heeft gemaakt, is alsof je boos bent op een bagel omdat hij een gat in het midden heeft.” Dezelfde dingen die mensen verafschuwen over de films van Anderson, zoals de platte eenvoud, zijn precies wat ze aantrekkelijk maakt voor iemand met een iets andere gevoeligheid. Het is zelfs die eenvoud die zijn uitvoer zo duurzaam maakt.
De wereld is ingewikkeld en het is angstaanjagend op een manier die het nooit is geweest. Millennials vinden het moeilijk zich een toekomst voor te stellen waar deze brandende planeet hen eigenlijk overleeft. En dat is precies waarom we een nieuwe Wes Anderson-film nodig hebben. Het zijn betrouwbare traktaties – de dopamine die velen van ons nu nodig hebben. We genieten van franchises zoals de MCU en Star Wars om dezelfde reden: omdat we weten wat we kunnen verwachten van onze bioscoopreis, en dat is geweldig. Eerlijk gezegd is het in een snarky wereld moeilijk om oprechtheid toe te geven, maar ik ben echt dol op de films van Wes Anderson. Ik hou van pastels, vrolijke muziek, schaalmodellen, eenvoudige dialoog, zwarte humor en de betrouwbaarheid van de gezichten van een acteur die ik ken en hou ervan om op het scherm te verschijnen met een iets andere snor. Ik heb er zin in.
(Afbeelding tegoed: Getty Images)
Om eerlijk te zijn, nodigen de films van Wes Anderson in hun waargenomen eenvoud uit tot een te vereenvoudigde lezing. Maar zijn esthetiek is bedrieglijk lui; het kost veel werk om iets te maken kijken zo eenvoudig. Het heeft Anderson het grootste deel van drie decennia gekost om iets te perfectioneren dat zo alomtegenwoordig is in zijn werk dat zelfs mensen die nog geen enkele van zijn films hebben gezien, het overal kunnen herkennen.
Zijn eerste films, Bottle Rocket en Rushmore, hebben enkele van de kenmerken die we zijn gaan associëren met zijn werk. Maar visueel gezien zijn hun gedempte kleuren een wereld verwijderd van bijvoorbeeld het Grand Budapest Hotel in 2014. De kinderachtige blokigheid van de tinten in The Royal Tenenbaums en The Life Aquatic staan ook op zichzelf, terwijl de schijnbaar opzichtige pastelkleuren echt alleen rond Moonrise Kingdom schopten. Zijn stijl die evolueert naar het punt van zelf-parodie is, net als bij al het andere, een keuze, en die is in de loop van de tijd ontwikkeld.
(Afbeelding tegoed: Disney / 20e eeuw)
Een ding dat Anderson altijd heeft gedaan, is de wereld opdelen in nette, gemakkelijk verteerbare tableaus. Als Rushmore begint, trekken gordijnen achteruit, nemen we afstand van de complexiteit van de interpersoonlijke relaties van de personages en vertellen ons waar we op moeten letten bij precieze opnames. In The Life Aquatic snijdt Anderson een schaalmodel van de Belafonte in tweeën om ons de actie binnen te laten zien, die van kamer naar kamer beweegt. Hij had ook een soortgelijke truc in The Grand Budapest Hotel. Terwijl beelden van The French Dispatch laten zien dat Anderson zijn camera nu misschien beweegt, laten de strakke, stabiele foto’s die hij goedkeurt geen ruimte voor verkeerde interpretatie of afleiding: ons is precies verteld waar we naar moeten kijken, en het ziet er goed uit. Hoe we erover moeten denken, wordt aan ons overgelaten.
De unieke stijl van Anderson geeft verschillende films een verenigende identiteit. Zijn verhalen spelen zich af in verschillende landen, tijdperken en realiteiten, verspreid over genres met schooldrama’s, familiegevechten, zeereizen en coming-of-age verhalen. Als ik op zoek ben naar escapisme van deze vlammende planeet en mijn eigen problemen, wil ik me omhullen in een eenvoudige wereld. Anderson vereenvoudigt dingen die zelden zijn: familieruzies, sterfgevallen, onrust.
Natuurlijk, als zijn shtick je echt op de verkeerde manier wrijft, is er geen andere overtuiging. Maar zelfs als zijn films niet voor jou zijn, hebben we allemaal onze eigen Wes Anderson: een film of kunstenaar die altijd zal doorkomen met wat we verwachten wanneer we het het meest nodig hebben. Op dit moment heb ik een nieuwe Wes Anderson-film nodig – wat de wereld nodig heeft.